lunes, 13 de mayo de 2019

Crítica: Atardecer

"Con "El hijo de Saúl" descubrimos los prodigios de una nueva mirada, heredera de una tendencia estilística y artística muy encumbrada en las cinematografías periféricas de Europa. Su nombre era László Nemes, y discípulo del gran maestro Béla Tarr, había forjado una entrada en el largometraje realmente prodigiosa. Un ejercicio de gran cine capaz de adentrarnos en los horrores del Holocausto de una manera prácticamente inédita, ingeniosa y sensible. Quizás con cierto ejercicio de reiteración estilística, Nemes nos traslada al Budapest de 1913, momento de ferviente tensión desencadenada en la Gran Guerra. A través de la mirada de Irisz, obsesiva en su búsqueda del pasado en relación con las nuevas fuentes del conflicto, se emprende una hacienda de vertiginosas posturas, y kafkiana mirada. El personaje principal, fruto de una era pasada y hasta anquilosada, intenta recuperar su esencia entre los devenires de una civilización en pleno ocaso, y todo lo que se encuentra es el auténtico caos de un conflicto en alza. Este viaje de impresiones, sensaciones y miradas, pero también de fuerte carga metafórica (y en este sentido encontramos la principal diferenciación con la obra precedente), se adentra en las zarpas del expresionismo, del realismo mágico, del surrealismo, y hasta del más puro Caravaggio, confluencia de estilos pictóricos que aquí se sumerge en las sombras más oscuras para encontrar razón y cordura a tanta locura. El resultado ya lo conocemos: el auténtico desastre de la humanidad. Si aceptas sus claves, la película se convierte en un auténtico ejercicio inmersivo, que sacude conciencias y corazones y que te devuelve los pies a la tierra con una bella epopeya de lo que hemos sido y somos. Todo ello, regalado por la firmeza de Nemes, pero también por el ejercicio técnico de un conjunto absolutamente sobresaliente que descansa en la firme mirada de Juli Jakab, la búsqueda a los interrogantes, en este fascinante viaje al espacio de la memoria, en continua tensión con nuestras aspiraciones más presentes."
Lo mejor: La expresividad de un discurso absolutamente estremecedor.


Lo peor: Para bien o para mal, es una película de una fuerte exigencia constructiva.



NOTA: 9,5(*****)

martes, 2 de abril de 2019

66º Festival de San Sebastián. Reseñas:

Ash is Purest White:
"La fascinante estampa sobre la violencia que configura Jia Zhang Ke en cada una de sus películas es de una orfebrería precisa, que maneja la sutileza y la sensibilidad para hablar de algo tan vivo como por momentos excesivo. Su última película nos regala una primera parte en la que la crónica de una sociedad embravecida y empobrecida se fusiona con el valor de una mujer tan singular como repleta de vértices. El drástico cambio que sufre hacia mitad de la película, supone un salto de riesgo, pues no solo reconfigura el valor de la historia, sino que despoja por completo al personaje. Esta motivación no siempre firma sus cartas con acierto, y encuentra tedio e irregularidad en sus fines conclusivos. No obstante, a pesar de cierta desigualdad entre sus dos trazados, la película maneja un lenguaje audiovisual fino y solvente, y encuentra en la extraordinaria Tao Zhao un aliciente para disfrutar de uno de los trabajos interpretativos más completos y vibrantes del año."

NOTA: 7(****)

Con el viento:
"Pocas veces con la gestión de lo mínimo se consigue brillar tanto. Se trata de una enmienda tan complicada como caprichosa a veces. En cualquier caso, este extraordinario debut se perfila en esta idea, pues su realizadora Meritxell Colell maneja unos mínimos recursos, un ambiente muy intimista, para hablar de la nostalgia, de la memoria, de la familia, de las raíces, y de otros muchos conceptos que viajan sobre los origenes del amor. El amor en nuestra vida, aquel que fragua la primera concepción de lo que somos. Para ello, Colell apela a valores sensoriales: sonidos, imágenes, y hasta olores que traspasan la pantalla para devolvernos al calor del hogar. En ese conjunto de valores sensoriales, la sensibilidad y la sutileza se despliegan como armas capaces de llevarnos a los rumores de nuestra más tierna infancia. Así lo vive Mónica, la protagonista de este bello relato, un viaje de retorno para entender muchas de las cuestiones que asolan con ferviente duda el quebradizo presente que nos ocupa. Confiada en un reparto sublime, Colell nos regala una de las óperas primas más impresionantemente mínimas que se recuerden."

NOTA: 8(****)

Dantza:
"Adentrándonos en las raíces de lo vasco, nace esta obra de danza, tan bella como compleja. Partiendo desde lo físico, biológico, hasta una dimensión cultural, toma forma este ejercicio que es capaz de aunar numerosas voces y tendencias sobre el origen. El origen de nuestra vida, de lo que somos, de lo que vivimos y como lo vivimos. Una muestra que se realza en las precisiones de una notable fotografía, y de un acompañamiento musical tan meditado como trasparente. El resultado es un ejercicio inclasificable, incansable, que quizás encuentra en su segunda mitad cierto lastre atribuido a la reiteración de sus formas, pero que en general, con sus desigualdades y cierta escasez de líneas definitorias, merece ser destacado dentro del panorama cinematográfico."

NOTA: 6,5(***)
 
High Life:
"La odisea espacial y los albores de la ciencia ficción nos han mostrado un arsenal cinematográfico tan amplio como generoso en sus expresiones. La realizadora Claire Denis nos propone una historia ubicada en los límites de la sexualidad, y la reproducción humanas, para hablar sobre la vida, las fronteras de la misma, y la enmienda futura. Nos deja perplejos con una introducción absolutamente mágica, inundada por el mejor cine del año, pero tras este telón de humo, la película comienza a desequilibrarse por sus imperfecciones, sus excesos, y la falta de coherencia de un conjunto, amoldado en la búsqueda del efectismo. Es una película que, admirando sus virtudes, entre ellas una notable fotografía y la presencia de la siempre estimulante Juliette Binoche, derrapa continuamente en su idea de trascender con propuestas tan burdas como manidas."

NOTA: 6(***)

In Fabric:
"La combinación de terror y comedia nos ha ofrecido ejercicios tan cutres como sumamente entretenidos. Así se presentan unas tendencias tan al margen, como a veces reivindicables dentro de la esfera de concepción del cine. Peter Strickland juega con las claves de este tipo de cine, en un ejercicio tan sofisticadamende irónico, como complejo en sus dimensiones discursivas. La película fragmentada en dos historias encuentra su auge sublime en el primer tramo, frente a una segunda expresión ciertamente repetitiva e inferior. División que afecta a un conjunto firmemente respaldado por una estética feroz, una mirada singular y la firmeza de unos actores entregados a una película tan arriesgada como finalmente notable."

NOTA: 7(****)

La noche de 12 años:
"Abordar la historia, y más reciente, se antoja en numerosas ocasiones una enmienda compleja y complicada, por numerosas cuestiones. Entre ellas, caemos en la idea de ser tan excesivamente rigurosos, que muchas veces el material cinematográfico queda tristemente lastrado. Álvaro Brechner compone la historia de la dictadura uruguaya a través del encerramiento durante 12 años de tres figuras claves en este proceso. Para ello, los juegos de descontextualización, estructuración y trabajo documental desaparecen, para adentrarnos en la mirada y el dolor, dolor que firma esperanza finalmente, de tres seres humanos. Su viaje se convierte en ejemplo de superación a través de un juego expresivo absolutamente memorable, en el que pasado, presente, y por supuesto futuro, de un modo sutil, conviven para armar este puzzle ciertamente vibrante. Brechner firma su mejor película hasta la fecha y problablemente uno de los ejercicios históricos más hermosos que se recuerden. Desde la precisión del guion, pasando por la firmeza audiovisual de su realizador y la grandeza técnica de la cinta (extraordinarios los trabajos de fotografía y música-incluyendo la dolorosa y sublime aportación de Silvia Pérez Cruz-), y terminando por tres trabajos interpretativos sublimes, todo se afirma y se reafirma para componer una película histórica, una película de necesaria aportación, y un hermoso y vibrante ejercicio de emoción en estado puro."

NOTA: 9(*****)

Tiempo después:
"Nuestro imaginario inevitablemente rescata una y otra vez, lo que fue y es aquella obra imperecedera llamada "Amanece, que no es poco". Una película tan incomprendida en su momento, como finalmente trascendente hasta la realidad de nuestros días. Su especie de continuación había generado amplia expectativa, sin embargo, las posiciones precedentes tan firmes siempre generan decepción. Y así ha sido, la nueva película de José Luis Cuerda, lejos se encuentra de aquella pieza de culto, pues sus armas manejan lo artificioso y lo intrascendente con amplia frecuencia. No obstante, estamos ante un ejercicio habilidoso, de planteamientos audaces, reparto entregado y ciertas líneas muy interesantes. Entendiendo las distancias con la obra precedente, y admirando su capacidad de entretenimiento, estamos ante una obra muy anecdótica."

NOTA: 6,5(***)

Viaje al cuarto de una madre:
"Entre los silencios amargos y las palabras precisas surgen historias, bellas por su esencia y admirables por su contención. Bajo estas líneas nace el debut de Celia Rico, una película que nos lleva a la relación de una madre y una hija en constante y silenciosa lucha con el viaje del duelo. A través de gestos inmensos, de caricias, de sonrisas, de palabras llenas de vida se construye un cuento mínimo en sus formas, pero máximo en sus emociones, tan latentes que contagian ideas y sentimientos absolutamente universales. Quizás si hay algo que achacarle a la cinta es su falta de arco dramático, que a veces se convierte en cierto ejercicio de pausa, que más que componer, resta al conjunto. Sin embargo, su sensibilidad, su constante humanidad, y unas Lola Dueñas y Anna Castillo impagables, nos regalan uno de los debuts más bellos del año."

NOTA: 7,5(****)

miércoles, 27 de marzo de 2019

91º Premios Oscar. Reseñas:

¿Podrás perdonarme algún día?:
"Fabulando con riesgo en la estética clásica de los 50 y 60, de la creación artística y/o literaria estadounidense, se nos presenta la historia de Lee Israel, conocida biógrafa, que en los 90, debido a una mala racha tanto en su vida personal como profesional, inicia un periplo tan controvertido e ilegal, como fascinante desde el punto de vista creativo. Proceso que se torna trascendente desde una óptica artística, como reivindicativo en pro de los derechos de la mujer, y su valor como autora. No obstante, contando con una interesante premisa, un juego estético arriesgado y dos actores colosales, irreconocible y magnética Melissa McCarthy y valiente Richard E. Grant, la película se antoja tan anecdótica, tan liviana, y hasta tan superficial, que lo que podía haber roto moldes de un modo solvente, se convierte en un acomodado ejercicio de entretenimiento."

NOTA: 6(***)

Black Panther:
Si alguien hubiese vaticinado que un producto del mundo Marvel iba a tener tal respaldo crítico nadie lo hubiera creído. Pues "Black Panther" ha sacudido y roto moldes, para alcanzar esa a veces controvertida cima del buen cine. Son varias las razones que pueden haber dirigido este posicionamiento, entre ellas un universo y unas ideas en clara vigencia con la paleta discursiva que nos ocupa. Pero lo cierto es que, a pesar del grato entretenimiento que nos ofrece, ciertas fortunas técnicas de la cinta y un reparto en general muy acorde, la película sigue derrapando en las mismas curvas que agotaban ejercicios anteriores, y al final acaba elevándose el producto por encima de sus ideas de trascendencia."

NOTA: 6(***)

Bohemian Rhapsody:
"Condenada inicialmente al fracaso, el recorrido por la vida y obra de Feddie Mercury y su grupo Queen ha resucitado con absoluto éxito hasta el punto de ser la película más respaldada por el público de todo el año pasado. Lo cierto es que analizándola, muchas de sus claves explican la gran conexión popular: el ritmo potente, la presente música y las notas de cierto convencionalismo narrativo. A esto se suma, la entregada aportación de Rami Malek, así como una digna factura técnica. No obstante, queda la pena, o la idea de injusticia, por haber labrado un ejercicio tan convencional como superficial de una de las vidas y obras más interesantes y complejas del siglo XX.

NOTA: 6(***) 

Border:
"La rareza en numerosas ocasiones se convierte en un símbolo de belleza. Tras su exitoso paso por el festival de Cannes, esta película sueca ha encontrado su camino en los alardes de la industria y en cierto posicionamiento crítico. La historia de amor de dos trolls se convierte en el motor principal para confinar un discurso que navega entre los límites de lo racional y lo emocional, de lo institivo y lo construido, de la naturaleza y la cultura. Es esa frontera la que dibuja y nos cuestiona este film de extrañas aportaciones, pero convencional historia. Y es quizás aquí donde la película no termina de erguirse, pues después de una primera hora llena de abstracta belleza, confina sus líneas dramáticas a virtud de un convencionalismo que chirría por no encajar con los propósitos iniciales. Con ello, su extraña belleza, la épica aportación de sus dos actores principales, y uno de los trabajos de maquillaje y peluquería más bellos del año, la convierten en un estimulante ejercicio para ser revisado una y otra vez."

NOTA: 7(****)

Cold War:
"Después del éxito de "Ida", Pawel Pawlikowski encuentra un nuevo vehículo de éxito. Encuadrada en la época de la guerra fría, a través de un viaje por Europa, se nos cuenta la historia de una pareja, de un amor, un desamor, y finalmente una derrota, la derrota de los otros, aquellos que inconformistas con lo que está pasando en Europa tuvieron que sucumbir al abrigo del dolor. Esa es la historia de este ejercicio de postales que nos lleva a espacios y momentos tratados como instantáneas de un recuerdo, de una memoria dolorosa, que se atisba necesaria revisar una y otra vez. Es el recuerdo de estos amantes, incapaces de amar, a pesar de sus continuos encuentros. La película, de una fotografía extraordinaria, compleja en su uso de la luz y de la profundidad, encuentra magia en el rostro de Joanna Kulig, que inmensa en su composición, nos retrae a las divas más clásicas y se convierte en el corazón de una película fría por momentos, excesivamente pautada y encorsetada, tanto que no termina de encontrar diálogos emocionales para hablar de algo tan vivo y a la vez tan doloroso. Su concepto, con toda su magia, debería haber dejado respirar a unos personajes tan bellos como abatidos."

NOTA: 7(****)

El blues de Beale Street:
"Barry Jenkins demostró con "Moonlight" su indiscutible capacidad para la poesía cinematográfica. Su nueva apuesta, basada en la novela de James Badwin, aborda la problemática racial desde una óptica muy diferente, hasta necesaria. El activismo político-social, y las formas subrayadas dan paso a una sensación, un estado de ánimo, que se siente en el aire, en la bruma, en el lirismo de las imágenes y sus espacios. Así es, Barry Jenkins nos aborda la historia de una pareja en plenos años 70, y en una sinfonía urbana plagada de lirismo, encuentra su vehículo para trasladarnos la sensación de una arrebatadora tristeza. Los personajes sobreviven, y su historia planea entre la realidad y el ensimismamiento. Quizás en esta dualidad la película no termina de encontrar su equilibrio, pues las formas dramáticas a veces se antojan excesivamente exacerbadas, e inoportunas. Con ello, la rotunda mirada de Jenkins, el aporte de unos actores espléndidos, y una factura técnica vibrante (especial mención a la fotografía y la música), nos regalan un ejercicio de deleite, de pausa, de absoluta poesía."

NOTA: 7,5(****)

El regreso de Mary Poppins:
"Desde el anuncio del remake de uno de los clásicos más populares del Séptimo Arte, la expectación fue mayúscula. Rob Marshall, habituado a este tipo de ejercicios, tomó las riendas. Y el resultado es ciertamente desigual, lejos, pero muy lejos de su predecesora. La película sin encontrar una línea narrativa potente, fragua un sin fin de números musicales orquestados con atino, pero alejados de la profundidad que manejaba el clásico de Disney. Estamos ante un film sumamente entretenido, con una inspirada Emily Blunt, y de notable presencia estética, pero inmerso en una superficialidad, que del mismo modo que te hace disfrutar durante el trayecto, te aleja de él, una vez terminada la función. Una pena que un proyecto tan esperado haya quedado en una expresión anecdótica."

NOTA: 6(***)

El vicio del poder:
"Cierto miedo nos generaba la nueva apuesta bizarra de Adam McKay, pues su anterior película, "La gran apuesta", había sido un despropósito cargante en toda regla. Sin embargo, la sorpresa ha sido mayúscula cuando el ingenio, la mala baba, y numerosas dosis de humor negro han empañado con gracia esta particular mirada a lo que fue Dick Cheney. Particular y feroz político, figura clave durante el mandato de George W. Bush, encuentra aquí un retrato repleto de ironía, en el que un vertiginoso y hábil montaje otorga capas de ingenio y complejidad a lo que fue su vida, y en torno a ella, la realidad estadounidense de nuestro tiempo. Es indudable que el efectismo es una de las marcas de esta película, a veces excesivo, pero siempre latente en su deseo de descomponer una figura mítica. En este sentido, Chistian Bale personaliza esta figura de una manera excelsa y compone uno de los mejores trabajos interpretativos del año, y se acompaña de la feroz sutileza de su esposa, Amy Adams. Una película provocadora, diferente y repleta de ingenio."

NOTA: 7,5(****)

La buena esposa:
"Barajando las líneas del "Me Too", Björn Runge configura la historia de una mujer en la sombra, a partir de la novela de Meg Wolitzer. La historia de una injusticia histórica que explora el sentir silencioso de todas aquellas mujeres creadoras, líderes, edificadoras, que por culpa de la sociedad machista han tenido que sucumbir al más férreo olvido. La historia de como un escritor gana el Nobel de literatura en virtud del ejercicio de una mujer sacrificada es la línea dominante de una película tan necesaria como irregular. Las líneas predecibles, el uso abusivo de calzadores y unos secundarios excesivamente caricaturizados, son los motivos principales para que este ejercicio, que en principio se prestaba a romper barreras, se quede en algo anecdótico y por momentos forzado. No obstante, ver en acción la labor de dos inmensos actores, Jonathan Pryce y Glenn Close, se convierte en un importante aliciente para entregarse a los brazos de esta desigual película."

NOTA: 6(***)

Un asunto de familia:
"A estas alturas Hirokazu Koreeda no necesita demostrar que es uno de los grandes creadores de nuestro tiempo, y un visionario a la hora de adentrarse en las emociones del ser humano. Su nueva película, premiada con la codiciada Palma de Oro del Festival de Cannes, ahonda en su línea dominante, esta vez comprendiendo la historia de una familia pobre, que en su afán de supervivencia tiene que desafiar los límites de la legalidad, e incluso la moralidad dominante, en un proceso de lucha contra uno de los males de nuestro tiempo: lo políticamente correcto. En ese sentido, Koreeda vuelve a demostrar su indudable capacidad para dar forma a las emociones en este grupo de personajes, y consigue llegar al corazón a través de las armas más honestas y sutiles, contando con el respaldo de un excelente reparto. Sin embargo, navega cierta sensación de ya visto, y de que a pesar de las numerosas virtudes, estamos ante una cinta menor del nipón. Una película que debido al amplio abanico de personajes, y su deseo de encontrar hueco en cada una de sus vidas, a veces tiende a cierta dispersión, dejando clara constancia del indudable talento y la clara humanidad que trasciende en la pantalla."

NOTA: 7(****)

Un lugar tranquilo:
"De forma generalizada, el género de terror es sinónimo de escasa calidad, hablando de la línea presente. No obstante, a veces, hay trazos de cierta genialidad e ingenio. Quizás podríamos encuadrar en este sentir, esta propuesta tan interesante como irregular. Una película que plantea un universo propio a través de los juegos sonoros, y que confabula una serie de ideas sumamente atractivas. El problema es que este conjunto ideado no termina de encontrar una resolución acertada, y va decayendo hasta a un final tan fácil como industrial. En la línea positiva, hay que mencionar la excelente factura técnica, en especial un diseño de sonido magistral, así como la notable labor de Emily Blunt, que da forma y consistencia a un cuento tan terrorífico como a veces insuficiente."

NOTA: 5,5(***)

jueves, 21 de febrero de 2019

Crítica: Pájaros de verano

LXVI FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN:
"Con "El abrazo de la serpiente", Ciro Guerra dio una lección de cine etnográfico, mostrándonos una realidad histórica con claras conexiones con nuestros días. Su vuelta, junto a Cristina Gallego, habla de pasado, pero también de presente. Un viaje curioso a los orígenes del narcotráfico en Colombia en los años 70, a través de una mirada a las civilizaciones resistentes al transcurso de la contemporaneidad, así como a sus tradiciones, sus vivencias y sus conflictos, desarmando en última instancia una guerra, que nos remite al mito de Macbeth. La película nos hace viajar a través de varios años, desde el encuentro y casamiento de sus dos protagonistas, hasta el absoluto y desastroso fin de su codicia. La película con estructura clásica, viaja por la historia y nos traslada a las realidades de un presente muy convulso. La realidad de la otra mirada, siempre adelantada a su tiempo, pero silente y vapuleada en su continua sociabilización. La película nos lleva a este universo con absoluta firmeza, descansando en una dirección que con pulso dirige la compleja maniobra audiovisual de la película, y en un meritorio trabajo técnico. La bella exposición de la fotografía, en comunión con unas labores sonoras y músicales arrebatadoras, sin olvidarnos de un montaje firme, conceden a la película unas posibilidades expresivas absolutamente extraordinarias. De igual modo, la credibilidad de un certero reparto, capitaneado por la composición extraordinaria de Carmiña Martínez, suma a una de las películas más completas y potentes del año. Sin embargo, y enumerando estas amplias virtudes, la película adolece de una falta de emoción considerable, y es que en su admirable discurso no encuentra caminos que salgan de la vía etnográfica, y la sensación de acotación a un universo concreto, destinado a ser entendido por sus más allegados, se apodera una y otra vez de una película que hubiese necesitado de ampliar sus miras, para finalmente explotar en la magnificencia sobre la que se apoya. Al final, queda la admiración, mucha admiración, de hecho, pero también el deseo de entender y comprender las hazañas de unas civilizaciones tan alejadas en el tiempo, como cercanas a nuestra realidad contemporánea."
 
Lo mejor: Su extraordinario poder audiovisual.


Lo peor: Su falta de miras a la hora de abrir sus horizontes. 




NOTA: 7,5(****)

viernes, 15 de febrero de 2019

Crítica: María, reina de Escocia

"Probablemente María Estuardo sea uno de los personajes históricos predilectos de la cinematografía, especialmente británica, que una y otra vez ha acudido a dar luz a una reina tan curiosa como controvertida para una época de construcción del imperio británico. Sin entrar a desglosar los amplios referentes que manejamos, la novedad en esta cinta reside en la expresión de un texto propio del siglo XXI. Y es que, María se convierte en esta película en una especie de líder feminista, apoyando ciertas decisiones y acontecimientos a virtud de este término. La decisión es tan arriesgada como incoherente, pues obliga no sólo a romper el rigor histórico, sino a llegar a las parcelas de lo inverosímil, fraguando una historia tan incomprensible, como superficial. En contraste, a ese intento de modernización errático, la expresión audiovisual/ cinematográfica se antoja excesivamente anticuada. La grandilocuencia con la que se retrata el enfrentamiento entre las dos mayores damas de la historia británica resulta desfasada y perpetuada al olvido de ejercicios mayores. Al final, la fusión de ambas expresiones deviene en un ejercicio tan desigual, como inconcreto. Sin embargo, siendo conscientes de sus claras limitaciones, la película de Josie Rourke presenta amplias y generosas virtudes, que permiten admirarla en cierta manera. Para empezar, su vibrante ejercicio estético tan sabio como sólido. Las excelencias de un extraordinario vestuario, en comunión directa con el espléndido trabajo de maquillaje y pelquería, así como las labores de fotografía y arte, confinan un tratamiento estético tan acertado como realista. Por otro lado, no podemos dejar de mencionar la maravillosa apuesta musical de Max Richter, problablemente una de las mejores del año, capaz de otorgar profundidad y riqueza expresiva a unos hechos tan claves como latentes. Estos elementos perfilan la creación de un espectáculo vibrante al servicio de dos damas de la interpretación. Si la intervención de Margot Robbie viene a reafirmar sus amplias cualidades interpretativas, en momentos cúlmen de la cinta, la aportación de Saorsie Ronan está al nivel de las mejores interpretaciones del año y de toda su trayectoria. Ronan desborda energía, emociones, valentía y arrojo en uno de los trabajos más excelsos de toda la temporada cinematográfica. Su expresión se une al amplio abanico de virtudes que maneja una cinta, que entre lo viejo y lo nuevo, es incapaz de dar valor y vigencia a unos acontecimientos históricos definitorios para la conformación del imperio británico."
 
Lo mejor: La grandeza de Saorsie Ronan, y el excelente trabajo de ambientación.


Lo peor: Su aire de cine viejo, y sus inconcreciones.



NOTA. 6,5(***)

jueves, 14 de febrero de 2019

33º Premios Goya. Reseñas:

Ana de día:
"Nacida de los sones festivaleros de Málaga, la ópera prima de Andrea Jaurrieta, de escaso eco mediático, viene a firmar una especie de ejercicio acerca de la identidad. Y qué hay más recurrente que definir en un momento de absolutas indefiniciones. Así, es la historia de Ana, una mujer de vida rutinaria, pero absolutamente atada por el devenir de las corrientes circundantes, que un día descubre la necesidad de liberarse y encontrarse en espacios ajenos a su mirada. En este viaje, de extrañas contradicciones, el personaje principal se enfrenta a respuestas que no siempre son las que esperaba. Partiendo de una idea original, y apoyándose en el virtuosismo de una precisa fotografía, y en la confidencia de una secundaria notable llamada Mona Martínez, Jaurrieta patina una y otra vez en un ejercicio que, a pesar de sus nobles intenciones, se antoja tan indefinido como excéntrico, por momentos. Con una idea final más que obvia, el desarrollo se plantea absolutamente superficial, aunque siendo conscientes de ciertos descubrimientos nada desdeñables."

NOTA: 5,5(***)

Campeones:
"No descubriré nada si digo que la última cinta de Javier Fesser se ha convertido en unos de los fenómenos cinematográficos del año. Su amor por el retrato de unos personajes únicos, en lucha personal ha tocado el corazón de millones de espectadores. Y es que hay que reconocerle a la película la virtud para mimar a sus personajes, vivos y honestos en su cometido, y creíblemente interpretados por un grupo de actores no profesionales, que lidera, de nuevo, de forma notable el estupendo Javier Gutiérrez. La agilidad, la destreza y la emoción se convierten en tres alicientes y tres valores fundamentales que explican el buen discurrir de la cinta. Sin embargo, poniendo los pies en la tierra, hay que ser cautos y valorar que, a pesar de su buenismo, es una película quebrada, incapaz de resultar sólida en pro de un ejercicio de subrayado emocional. De igual modo, es una pena la inconsistencia en la que quedan las tramas y personajes secundarios, meros artificios al servicio de un ergumento tan emocionante como superficial, en unos de los ejercicios más masivos que ha visto nuestra cinematografía reciente."

NOTA: 6,5(***)

El fotógrafo de Mauthausen:
"Desde el anuncio de esta película, y apoyándonos en las muestras promocionales previas, las expectativas eran realmente bajas, por lo inédito del ejercicio, y por el escaso prestigio de sus artífices. Y es que nadie podía esperar que una realizadora tan irregular como Mar Targarona pudiera forjar una película digna sobre uno de los héroes más importantes de nuestra historia, aunque completamente desconocido para el gran público. Lo cierto es que, a pesar del escaso presupuesto, la película se eleva con una factura técnica sólida, que encuentra en el trabajo de arte sus mayores virtudes, así como verbaliza a través de unos actores creíbles la expresión del horror del holocausto, ilustrando la hazaña de una figura mítica: Francesc Boix. No obstante, estamos ante una película ciertamente superficial, incapaz de indagar con profundidad en cada una de las heridas que plantea, y por momentos algo estereotipada. Es una película que ha crecido ante las expectativas que se tenían, pero que lejos se encuentra de ser un retrato con hondura sobre el conflicto que azotó con cruentas repercusiones el siglo pasado."

NOTA: 5,5(***)


El hombre que mató a Don Quijote:
"Poca gente no sabrá de la odisea que supone llegar a esta película. Años de contradicciones y derribos han puesto a prueba la paciencia de un director que por fin ha visto cumplido su sueño. Clausura del Festival de Cannes, el perseguido deseo del ingenioso Terry Gilliam, ha visto la luz el año pasado. No obstante, a pesar de las esperas, pronto han venido las amplias decepciones ante el ejercicio vivido. Y es que lo peor de Gylliam se concentra en esta cinta: el absoluto caos al que asiste parte de su obra se concentra de forma mayoritaria en esta película, que al principio juega a confinar una idea más conceptual, enfrentando dos mundos, el de su realidad personal, y el del hidalgo, para intentar acercarnos a esta historia y todo su proceso de construcción a través de sumirada. Sin embargo, la película y paradójicamente, se eleva cuando el universo Gylliam es más floreciente, encontrando una conexión orgánica con la odisea del caballero, lo cual se atisba en el tramo final, frente a una primera parte ciertamente esquemática. En cualquier caso, la película se estructura un tanto desigual y muy desequilibrada, pero con ello, hay que admirar las virtudes de un ritmo latente, de un trabajo de ambientación exquisito, y de un Quijote interpretado con gran inspiración por el actor Jonathan Pryce. Elementos que nos hacen disfrutar de una película, sumamente entretenida, pero completamente alejada de las sendas de profundidad y autorreflexión que pretendía."

NOTA: 6(***)

El silencio de otros:
"Trayéndonos una realidad tan latente como silenciada, esta cinta apoyada por los hermanos Almodóvar y creada por Almudena Carracedo y Robert Bahar, ha reabierto las causas que nunca debieron cerrarse, y su éxito ha sido mayúsculo. La película aborda la impunidad por los crímenes del franquismo, y la necesidad de identificar y enterrar a todas esas víctimas, a través de una serie de hitos que fueron decisivos en este proceso, a lo largo de los últimos años. La sinceridad, la precisión y el buen gusto de la misma se convierten en los ingredientes fundamentales de una película que llega al corazón de quien la mira y admira. No obstante, admirando sus virtudes, si es cierto, y quizás ahí está la clave de su éxito internacional paradójicamente, que la película se antoja excesivamente explicativa, franqueando lo redundante, y hasta lo intrascendente, ante una realidad muy conocida por todos. Hubiese sido bonito atender al silencio, al gesto mínimo, y evitar un ejercicio en cierta manera propagandístico que nos aleja de la vertiente social y emocional en la que la película eleva su alas con ferviente solidez."

NOTA: 6,5(***)


La sombra de la ley:
"Con "El desconocido", Dani de la Torre dio cuenta de sus precisas virtudes para la dirección cinematográfica. Esta vez, volvía con un proyecto de holgada producción que prometía convertirse en uno de los eventos cinematográficos del año. Sin embargo, numerosas son las cuestiones que lastran un conjunto tan desigual como descafeinado. De partida, el guion hace aguas con un planteamiento superficial, de tv-movie, en el que los personajes, la historia y los diálogos resuenan bajo el plantel del acartonamiento. Todo se antoja frío, y excesivamente manipulado, manejando las esquivas derivas del folletín. Tampoco ayuda un trabajo de dirección, que en vez de construir, se dedica a hacer gala de una serie de piruetas visuales al margen de cualquier tipo de historia. Los protagonistas caen de forma rotunda ante personajes que son puro estereotipo, y la música subraya y ahoga cualquier intento de trascendencia. Sin embargo, ciertas virtudes de la cinta, en especial en lo técnico, nos permiten con todos estos defectos disfrutar de un espectáculo digno. En este margen, destaca un trabajo de ambientación extraordinario, y unos efectos especiales tan precisos como bien conseguidos. Tampoco podemos dejar de lado la enriquecedora labor de ciertos secundarios, que construyen energía y vida haya donde no hay. Hablamos, por supuesto, de las composiciones de Manolo Solo y Vicente Romero, de lejos las mejores de la función. Todos estos elementos mantienen el cuerpo de este gran proyecto, que de partida adolece de ser más efectista, que definitivo."

NOTA: 5,5(***)


Superlópez:
"Desde su anuncio, este proyecto supuso un mar de expectativas y deseos al ver inmortalizadas en la gran pantalla las aventuras creadas por Jan. Javier Ruiz Caldera, habilidoso en la comedia de producción holgada, tomó las riendas en la construcción de este proyecto, que se antoja algo descafeinado en su resultado. El problema fundamental de la película protagonizada por Dani Rovira es su constante indefinición y su incapacidad para construir y definir una historia con cuerpo y alma. Es notable el equilibrio técnico de la cinta y ciertas aportaciones interpretativas con mucha chispa (Alexandra Jiménez, Gracia Olayo y Pedro Casablanc), pero no resulta suficiente para un ejercicio que entre lo castizo y lo prefabricado en materia de superhéroes no termina de posicionarse. Quizás en su cuotas más internas la película gana enteros, pero por desgracia esto no siempre sucede, y la sensación de haber visto algo olvidable invade la sensación general sobre otro superhéroe imposible en el ámbito cinematográfico español."

NOTA. 5,5(***) 

Tu hijo:
"Si bien es cierto que la vuelta a la dirección de Miguel Ángel Vivas nos suscitaba ciertos reparos, si que confiabamos en aquella apasionante ópera prima llamada "Secuestrados". Y lo cierto es que la esperanza a veces se torna en sorpresas agradables, y es que la nueva película de Vivas se introduce en el dolor de un padre que, culpable ante el estado de su hijo, emprende una especie de vía crucis, en el que el espectador participa activamente de él. Un viaje tan irregular, como sólido en su planteamiento audiovisual, y en el que Vivas nos regala una certera mirada a la luz y las sombras de la moralidad más controvertida. El camino de este hombre, al compás de cornetas y tambores, es tan doloroso como vivido, tan duro como criticable, y ahí se encuentra la magia de una apuesta tan radical, como sabia, y como incluso a veces errática. Porque "Tu hijo" encuentra en sus imperfecciones, que no son pocas, un aliado para edificar una historia con aristas que sin contemplaciones nos lleva al fondo de las cuestiones más complicadas y complejas. Y en medio de todo, un Coronado excelso, complejo en su contención, y admirable en su sensibilidad, conformando, tal vez, su mejor trabajo hasta la fecha y regalándonos un increíble ejercicio de humanidad y verdad."

NOTA: 7(****)

Yuli:
LXVI FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN:
"La filmografía de Icíar Bollaín es un ejemplo de solidez y sensibilidad, y la unión con Paul Laverty ha supuesto para esta un empuje internacional, que quizás antes no contemplaba tanto. Parecía que la aventura del mayor bailarín cubano de la historia iba a seguir el equilibrio de sus propuestas anteriores, basadas en la buena colaboración de este tándem, sin embargo, la película naufraga por numerosas cuestiones. La primera es un guion indeciso entre una parte documental más arriesgada, y un planteamiento histórico absolutamente predecible. La fusión de ambas partes es tan forzada como insulsa, por un planteamiento que no termina de cuajar. Esto lleva a que las diversas derivas del film naufraguen y que una película que podía haber dejado poso, se quede en algo meramente entretenido. Pues es cierto, que la solidez de Bollaín detrás de la cámara, así como la gran labor técnica de su equipo se atisba en cada plano. De igual modo, los actores certeros, construyen y emocionan, pero es una pena que tal cóctel de ingredientes no explote como es debido, por las limitaciones de un guion tan errático como poco autoconvencido de lo que cuenta y como lo cuenta."

NOTA: 6(***)

viernes, 1 de febrero de 2019

Quiniela Palmarés XXXIII Premios Goya 2019






















Mejor película: Entre dos aguas 
Alternativa: El reino

Mejor dirección: Isaki Lacuesta "Entre dos aguas" 
Alternativa: Rodrigo Sorogoyen "El reino"

Mejor dirección novel: Arantxa Echevarría "Carmen y Lola" 
Alternativa: Celia Rico "Viaje al cuarto de una madre" 

Mejor actriz protagonista: Lola Dueñas "Viaje al cuarto de una madre" 
Alternativa: Penélope Cruz "Todos lo saben"

Mejor actor protagonista: Antonio de la Torre "El reino" 
Alternativa: Javier Gutiérrez "Campeones"

Mejor actriz de reparto: Anna Castillo "Viaje al cuarto de una madre" 
Alternativa: Ana Wagener "El reino"

Mejor actor de reparto: Luis Zahera "El reino" 
Alternativa: Antonio de la Torre "La noche de 12 años"

Mejor actriz revelación: Eva Llorach "Quién te cantará" 
Alternativa: Gloria Ramos "Campeones"

Mejor actor revelación: Jesús Vidal "Campeones" 
Alternativa: Francisco Reyes "El reino"

Mejor guion original: Isabel Peña & Rodrigo Sorogoyen "El reino" 
Alternativa: David Marqués & Javier Fesser "Campeones"

Mejor guion adaptado: Álvaro Brechner "La noche de 12 años" 
Alternativa: Paul Laverty "Yuli"

Mejor dirección de fotografía: Álex de Pablo "El reino" 
Alternativa: Eduard Grau "Quién te cantará"

Mejor música original: Alberto Iglesias "Yuli" 
Alternativa: Olivier Arson "El reino"

Mejor canción original: "Una de esas noche sin final", de Javier Limón (Todos lo saben) 
Alternativa: "Este es el momento", de Coque Malla (Campeones)

Mejor sonido: Roberto Fernández & Alfonso Raposo "El reino" 
Alternativa: Eva Valiño, Pelayo Gutiérrez & Alberto Ovejero "Yuli"

Mejor montaje: Alberto del Campo "El reino" 
Alternativa: Hayedeh Safiyari "Todos lo saben"

Mejor dirección de producción: Iñaki Ros "El reino" 
Alternativa: Yousaf Bokhari "El hombre que mató a Don Quijote"

Mejor dirección artística: Juan Pedro de Gaspar "La sombra de la ley" 
Alternativa: Rosa Ros "El fotógrafo de Mauthausen"

Mejor diseño de vestuario: Clara Bilbao "La sombra de la ley" 
Alternativa: Mercé Paloma "El fótografo de Mauthausen"

Mejor maquillaje y peluquería: Caitlin Acheson, Jesús Martos & Pablo Perona "El fotógrafo de Mauthausen" 
Alternativa: Raquel Fidalgo, Noé Montes & Alberto Hortas "La sombra de la ley"

Mejores efectos especiales: Lluís Rivera & Laura Pedro "Superlópez" 
Alternativa: Lluís Rivera & Félix Bergés "La sombra de la ley"

Mejor película documental: El silencio de otros 
Alternativa: Camarón: Flamenco y Revolución

Mejor película de animación: Un día más con vida 
Alternativa: Memorias de un hombre en pijama

Mejor película iberoamericana: Roma (México) 
Alternativa: La noche de 12 años (Uruguay)

Mejor película europea: Cold War, de Pawel Pawlikowski 
Alternativa: Girl, de Lukas Dhont

Mejor cortometraje de ficción: Matria 
Alternativa: Cerdita

Mejor cortometraje documental: Gaza 
Alternativa: El tesoro

Mejor cortometraje de animación: El olvido 
Alternativa: Cazatalentos