domingo, 23 de noviembre de 2014

Crítica: Perdida

"Sin alejarse de su tono y su género, Fincher innova en su filmografía, proponiendo un ejercicio ciertamente novedoso, pues ya no importa tanto lo que subyace en la trama de forma silente a lo largo del metraje, sino más bien todo lo contrario, desvelar todo el cuerpo existente, para sobre él ir desarrollando una intensa actividad de matización narrativa. Cuando parece que Gyllian Flynn, guionista de la película, va a caer definitivamente estrellado en un exceso de barroquismo, el giro siguiente al anterior es cada vez más brillante, salvando con audacia un conjunto que debido a su intensidad narrativa parece que va caerse en cualquier momento. La intensa espiral de momentos que propone Fincher junto a la mano inteligente de Flynn sacude de forma agitada al espectador en su butaca, pero sin perder en ningún momento ese refinado seguimiento que tanto define a su protagonista femenina. Nos encontramos con una película que equilibra con admirable aplomo el desgarro narrativo con la sofisticación verbal y visual, pues a pesar de la calidad del material precedente, hubiese sido imposible dar tanta entereza a este relato sin la excelente garra de Fincher para crear una atmósfera complemente sobrecogedora. Un film que te engulle en un suspiro, a pesar de su largo metraje. Si es cierto, de igual modo, que su arranque se antoja demasiado condescendiente, resultando excesivamente edulcorado, y cayendo en cierta vacuidad en la construcción de sus personajes. Así, de igual manera, es incomprensible el desequilibrio entre la admirable composición del personaje de Amy, y la inerte postura del resto de personajes, especialmente el de Nick que escasamente transciende para el interés del relato. Todo el artefacto en potencia se concentra para bien o para mal únicamente en su personaje femenino protagonista y en la trama central que él desarrolla. El resto se diluye sin dejar rastro. Dejando de lado estos errores no tan esenciales, hay que admirar un trabajo técnico sobresaliente. Desde el brillante montaje, pasando por la brutal composición sonora y la sublime partitura(La mejor de Reznor & Ross), hasta la perfecta sinfonía visual del notable juego fotográfico y la exquisita ambientación. No olvidar tampoco un trabajo actoral acertado que se mueve entre la valentía de algunos actores, y la insipidez de otros. Por encima de todos ellos está una Rosamund Pike que con un personaje estimulante consigue una interpretación refinadamente admirable. Su matización de las expresiones y su veracidad en los diálogos dan forma explosiva a la composición psicológica de Amy. Un personaje, que tanto en el cine de Fincher como en el cine contemporáneo, resultará esencial como referencia para definir la psicología perturbada de ciertos iconos destructivos, ciertamente estimulantes para dar potencia al devenir narrativo de algunas tramas."
 
Lo mejor: El personaje de Amy en manos de una brillante Rosamund Pike y los sublimes giros centrales de la trama.

Lo peor: Ciertos desequilibrios narrativos y un comienzo algo flojo.

NOTA: 8,5(****)

jueves, 20 de noviembre de 2014

Crítica: Relatos salvajes

"Entre Tarantino y Álex de la Iglesia, entre los Coen y Almodóvar, así como con altas dosis de humor puramente argentino, Damián Szifrón perfila una de las obras más gamberras del año, un espectáculo cinematográfico llamado a convertirse en fenómeno, una película oportuna y pertinente para la época que nos acontece, un intento explosivo de derrocar lo políticamente correcto y finalmente, una escisión reflexiva entre el animal y el ser humano. Este conjunto de seis piezas se antoja como un escape de adrenalina a la tensión vivida en este tiempo de corrupciones, de injusticias y de hipocresía. Una solución drástica a los problemas atendiendo a la reacción animal como forma de perfilar y reivindicar la dureza del momento vivido y la sobresaliente continencia humana que nos ampara ante el feroz deseo de explotar animalmente. Es muy interesante nunca perder el punto de vista crítico de la cinta por encima de su ingeniosa capa humorística, pues su mensaje es directo, es sonoro, es atronador. Es poner sobre la mesa de forma firme las piezas que fallan para empezar a arreglar el aparato. Es como un grito, una bomba, una explosión....Todo ello confabulado por la maestría tanto narrativa como visual de un ingenioso Szifrón que por momentos parece beber de muchos referentes cinematográficos. Volviendo a la conjunción de las seis partes, hay que mencionar un claro desequilibrio que se convierte en el principal elemento negativo de este film. Con un arranque muy prometedor, la película va conjugando sus piezas de forma desigual, llegando a ser sus inicios muy brillantes, y su parte intermedia entre lo correcto y lo insípido, finalizando con una ganancia explosiva estimable, pero menos hábil que sus predecesoras. Unas historias abruman y otras resultan indiferentes provocando que el conjunto se tambaleé considerablemente, y no llegue a contagiar esa magia latente que se advierte en líneas generales. Desequilibrios aparte, no podemos olvidar un trabajo técnico notable(Perfecto sonido, música y montaje), y un trabajo actoral extraordinario. El cine de este año no puede cerrar sus páginas sin acordarse del sufrimiento de Sbaraglia, de la rebelión de Érica Rivas o de la desesperación de Darín, grandes maestros que en conjunto con los demás secundarios invitan al trabajo coral más extraordinario del año. Ellos con su rebeldía y esos feroces diálogos nos llevan al juego de lo que podría ser en caso de...y al final, todo resuena, explota y nos lleva a cuestionarnos nuestra supuesta moral en una sociedad ciertamente embravecida."

Lo mejor: Su brillante reparto y su explosividad.


Lo peor: El desequilibrio entre los relatos que merma la calidad conjunta de la cinta.


NOTA: 7(****)

miércoles, 19 de noviembre de 2014

Crítica: Loreak (Flores)

"Flores para mimar, flores para no olvidar, flores para devolver y finalmente flores de expiación. Tres mujeres, una historia a tres voces, y en medio de todo, la serena presencia de las flores. Jon Garaño & José María Goenaga, con un estilo muy parecido a la fragancia refinada del mejor Kieslowski, vuelven al campo de la historias cotidianas, esas que se antojan esenciales para definir la grandeza de la vida. Firmes en su convicción se alejan de cualquier adorno de perfiles socialmente hipócritas, para acercarse a la realidad de la vida humana, bañada en sentimientos, pero también consciente de su ápice de racionalidad. Una combinación que nos hace grandes ante al caprichoso deambular de la existencia terrenal. Conscientes de esos detalles que nos hacen completamente humanos, estos dos realizadores dan forma a la historia de estas tres mujeres, y al apasionante viaje de las flores de una manera hábil, inteligente, así como admirablemente sensible. Las aspiraciones, los deseos, las frustraciones de estos seres cabizbajos se materializan en la belleza y el poder simbólico de esos ramilletes que acompañan nuestra vida desde el nacimiento hasta la muerte. Y quizás en este punto comienza la epopeya metafórica de esta joya delicada: ese deseo de convertir en vida, lo muerto, lo ausente. Esa necesidad de amar y ser amado, como principal esencia de esta obra, como principal sentido de la vida humana, se materializa en la casi inconsciente cadena de acontecimientos de sus personajes, que en última instancia, llevados por el agitado abrigo de la experiencia, perfilan con racionalidad la impulsividad de sus emociones. Todo este entramado de matices muy psicológicos, pero también de dimensiones puramente existencialistas, acude a la virtud del mimo y el detalle, pero cae en el defecto de la extensión temporal como forma de ajuste sincrónico a los puntos desencadenantes de la historia. Un relato que quizás debería haber rematado sus vertientes de una forma más circular y no tan alargada. Aún así, dejando de lado su irregular decisión, es de admirar lo ya mencionado unido a un perfecto juego técnico, donde Pascal Gaigne pone brillo a los sonidos del mundo de forma magistral y Javier Aguirre da color a esas flores clamorosas de vida. Vida y sombras perfectamente materializadas por todo un reparto excepcional, pero de forma especial por tres miradas sensibles, poderosas, únicas. Itziar Ituño, Itziar Aizpuru y Nagore Aramburu exponen su silente lucha emocional para configurar las tres piezas fundamentales de un tríptico lleno de belleza, e imbatible en su deseo de mediante el silencio hacer ruido entre las paradójicas posturas de nuestra sonora vida."
Lo mejor: La sensibilidad que se respira en cada fotograma.


Lo peor: Cierto desajuste en su estructura temporal.


NOTA: 8,5(****)

II Quiniela Nominaciones Premios Goya 2015
















Mejor película:
1. La isla mínima
2. Magical Girl
3. El Niño
4. Relatos salvajes
5. 10.000 km

Mejor dirección:
1. Alberto Rodríguez "La isla mínima"
2. Carlos Vermut "Magical Girl"
3. Daniel Monzón "El Niño"
4. Damián Szifrón "Relatos salvajes"

Mejor actor protagonista:
1. Javier Gutiérrez "La isla mínima"
2. Raúl Arévalo "La isla mínima"
3. Luis Tosar "El Niño"
4. Juan Diego "Anochece en la India"

Mejor actriz protagonista:
1. Bárbara Lennie "Magical Girl"
2. Macarena Gómez "Musarañas"
3. María León "Marsella"
4. Elena Anaya "Todos están muertos"

Mejor actor de reparto:
1. José Sacristán "Magical Girl"
2. Karra Elejalde "Ocho apellidos vascos"
3. Jesús Carroza "El Niño"
4. Leonardo Sbaraglia "Relatos salvajes"

Mejor actriz de reparto:
1. Carmen Machi "Ocho apellidos vascos"
2. Goya Toledo "Marsella"
3. Nadia de Santiago "Musarañas"
4. Itziar Aizpuru "Loreak(Flores)"

Mejor dirección novel:
1. Carlos Marqués-Marcet "10.000 km"
2. Juanfer Andrés & Esteban Roel "Musarañas"
3. Beatriz Sanchís "Todos están muertos"
4. José F. Ortuño & Laura Alvea "The Extraordinary Tale"

Mejor actor revelación:
1. Jesús Castro "El Niño"
2. Dani Rovira "Ocho apellidos vascos"
3. David Verdaguer "10.000 km"
4. Salva Reina "La isla mínima"

Mejor actriz revelación:
1. Natalia Tena "10.000 km"
2. Nerea Barros "La isla mínima"
3. Ingrid García-Jonsson "Hermosa juventud"
4. Yolanda Ramos "Carmina y amén"

Mejor guion original:
1. Carlos Vermut "Magical Girl"
2. Alberto Rodríguez & Rafael Cobos "La isla mínima"
3. Damián Szifrón "Relatos salvajes"
4. Carlos Marqués-Marcet & Clara Roquet "10.000 km"

Mejor guion adaptado:
1. Javier Fesser, Cristóbal Ruiz & Claro García "Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo"
2. Nicolás Saad "La ignorancia de la sangre"
3. Javier Gullón "Enemy"
4. Pablo Burgués, David Planell & Chema Rodríguez "Anochece en la India"

Mejor fotografía:
1. La isla mínima
2. El Niño
3. Autómata
4. Magical Girl

Mejor montaje:
1. El Niño
2. La isla mínima
3. Relatos salvajes
4. Magical Girl

Mejor música original:
1. La isla mínima
2. El Niño
3. Autómata
4. Relatos salvajes

Mejor canción original:
1. "Niño sin miedo"(El Niño)
2. "La vent me dirá"(Marsella)
3. "No te marches jamás"(Ocho apellidos vascos)
4. "Corazón automático" (Todos están muertos)

Mejor sonido:
1. La isla mínima
2. Relatos salvajes
3. Autómata
4. El Niño

Mejor dirección de producción:
1. Relatos salvajes
2. El Niño
3. La isla mínima
4. Autómata

Mejor dirección artística:
1. La isla mínima
2. Autómata
3. Musarañas
4. El Niño

Mejor diseño de vestuario:
1. Musarañas
2. La isla mínima
3. Ocho apellidos vascos
4. Stella Cadente

Mejor maquillaje y/o peluquería:
1. Musarañas
2. Rec 4: Apocalipsis
3. La isla mínima
4. Autómata

Mejores efectos especiales:
1. Autómata
2. Rec 4: Apocalipsis
3. La isla mínima
4. Relatos salvajes

Mejor película de animación:
1. Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo
2. Dixie y la rebelión zombi
3. La tropa de Trapo en la selva del arcoíris
4. Noche ¿de Paz?-Holy Night

Mejor película documental:
1. Paco de Lucía: La búsqueda
2. En tierra extraña
3. La pantalla herida
4. Sacromonte, los sabios de la tribu

Mejor película iberoamericana:
1. Relatos salvajes (Argentina)
2. La dictadura perfecta (México)
3. Matar a un hombre (Chile)
4. Kaplan (Uruguay)

Mejor película europea:
1. Ida (Polonia)
2. Dos días, una noche (Bélgica-Francia)
3. Alabama Monroe (Bélgica)
4. Sueño de invierno (Turquía)

Tabla provisional de películas con más de una nominación:
16 La isla mínima
12 El Niño
10 Relatos salvajes
7 Autómata, Magical Girl
6 Musarañas
5 10.000 km, ocho apellidos vascos
3 Marsella, Todos están muertos
2 Anochece en la India, Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo, Rec 4: Apocalipsis.

miércoles, 12 de noviembre de 2014

Premio honorífico y secciones competitivas. XI Premios Corona 2014

Comienza poco a poco la temporada de premios para el cine español. Los Goyas, los Gaudí, las medallas CEC, los Fotogramas de Plata, los Sant Jordi, los Feroz...están a la vuelta de la esquina, y un año más los premios Corona, que cumplen once ediciones, se convierten en antesala de esta carrera cinematográfica, recogiendo algunos de los títulos más significativos del cine español de 2014, así como señalando algunos documentales remarcables de la producción nacional y un conjunto de diez títulos europeos estimables. Producción que como ya sabéis se recoge en tres secciones. Esta en unas semanas recogerá los premios concedidos de acuerdo a criterios de calidad, teniendo vosotros la posibilidad de elegir al ganador del premio del público votando en la encuesta habilitada en el margen derecho del Blog. Antes de conocer los integrantes de las diversas secciones competitivas, hay que dar muestra del premio honorífico. Esta edición quiere rendir homenaje a la labor de uno de los cineastas más significativos del cine español, figura clave en la renovación realizada a partir de mediados de los cincuenta junto a Juan Antonio Bardem, Pere Portabella, Luis García Berlanga y Carlos Saura. Realizador destacado en el campo del documental y autor de obras claves de la producción española como "Nueve cartas a Berta", "Canciones para después de una guerra" y "Queridísimos verdugos". Su presencia en festivales y reconocimientos encumbran aún más si cabe su labor, destacando en esta lista la Concha de Plata de San Sebastián, un premio a la innovación en el festival de Taormina, la Espiga de Oro honorífica de la Seminci, la medalla de Oro de la Academia de cine, así como la presencia en la sección oficial del Festival de Venecia. Su aporte al cine patrio es singular. Por ello el premio Corona honorífico reconoce su excelente aportación al cine español.


Sección oficial:

2 francos, 40 pesetas
10.000 km
A escondidas
Anoche en la India
Carmina y amén
Estrella fugaz
Hermosa juventud
La ignorancia de la sangre
Loreak
Los fenómenos
Los tontos y los estúpidos
Musarañas
Negociador 
No llores, vuela
Rastros de sándalo
The Extraordinary Tale


Sección cine europeo:

Camino de la cruz (Alemania)
Dos días, una noche( Bélgica-Francia)
Jimmy´s Hall (Reino Unido-Irlanda-Francia)
La fiesta de despedida (Israel-Alemania)
La promesa (Francia)
La sal de la tierra (Francia-Brasil-Italia)
Leviathan (Rusia)
Mr. Turner (Reino Unido)
Party Girl (Francia)
The Tribe (Ucrania)

Sección cine documental:

Antonio Vega. Tu voz entre otras mil
Ciutat morta 
Déjame vivir
El caso Rocío
El culo del mundo
En tierra extraña
La pantalla herida
L´endemà
Messi
Sacromonte, los sabios de la tribu

martes, 11 de noviembre de 2014

Crítica: Ida

"Con ecos de Dreyer, Bresson, Tarkovsky y Bergman, el cineasta Pawel Pawlikowski desarrolla un devastador lienzo sobre la historia de su país. Las aportaciones de estos referentes, aunque cruciales en la construcción estética, y lingüística de la película, no impiden el desarrollo de una postura singular repleta de exquisiteces, sobre todo a nivel visual. Y volviendo al relato histórico, resulta muy interesante analizar como Pawlikowski nos ofrece una cierta "neutralidad" a la hora de afrontar un pasado desde otro pasado. Una época de ceguera ante sus heridas pasadas. La inerte postura de una sociedad dormida toma forma en la película a través de un estatismo entre fotográfico y pictórico que se convierte no sólo en respuesta a un análisis social de carácter omnisciente, sino también en la mirada inocente de una novicia alejada de la realidad. Su andanza perfila un camino para cuestionar la fe y la férrea postura del catolicismo en una sociedad incapaz de cerrar bien sus heridas. El dulce perfil de esta monja que pone título a la película frente a la desgarradora carga emocional de Wanda, personaje muy interesante por su aporte luminoso en una paleta de grises, resulta a veces demasiado maniqueo, de tal manera que la evolución de los personajes y por tanto de la historia atiende a la predecibilidad. A esto se suma un conjunto de secundarios que poco tienen que decir, y un tercer actor en discordia que poco aporta, dejando de forma errónea el peso de la balanza en dos construcciones psicológicas tan antagónicas como en ocasiones forzadas. No obstante, contando con esta escisión excesiva, su realizador intenta que esta no se convierta en un gesto chillón que rompa la armonía hierática de la obra mediante un ejercicio audiovisual impagable. La brillantez de los planos, extraordinariamente compuestos por un ejercicio fotográfico inmenso, se unen a un ejercicio de precisión sonora y musical, y a una ambientación remarcable, capaz de convertir la austeridad en excelencia retórica. Inmenso ejercicio pulido por dos trabajos interprativos notables, en especial el de esa Wanda poderosa firmemente llevada por una imponente Agata Kulesza. Personaje que abandona la vida, en contraste con su sobrina, que aunque en su deseo de vivir fácil con los ojos cerrados, empieza a equilibrar en su vida la verdadera inestabilidad de la existencia. Admirable plano final con la magia del mejor Bach."
Lo mejor: Su poderosa fuerza visual, magnificada por un ejercicio fotográfico extraordinario.


Lo peor: El excesivo maniqueísmo a la hora de abordar sus dos posturas principales



NOTA: 8,5(****)

domingo, 9 de noviembre de 2014

Crítica: Dos días, una noche

"En clave de excelencia, los hermanos Dardenne, esenciales en el desarrollo de un modelo cinematográfico despojado de adornos y directamente entregado al análisis detallado de la moral en un mundo de definiciones imprecisas, presentan su última obra, quizás la más actual de todas las realizadas, explorando un tema de rabiosa actualidad que sacude las conciencias de todo el globo terráqueo. La mirada fija en esa especie de heroína llamada Sandra nos traslada a un panorama bastante sórdido: Ese duro universo en que la moral y la necesidad se enfrentan y más cuando ambas atienden a cierto extremismo propiciado por una circunstancias nada favorecedoras. Una lucha en la que la debilidad es el principal enemigo de una sociedad que oprime a sus individuos hasta sacar su faceta más animal en ese camino natural hacia la supervivencia. Los Dardenne una vez más, convierten un material interesante, aunque susceptible de fáciles melodramas, en una muestra de buen cine social. Su gran labor al definir a su luchadora Sandra, así como a todos los personajes que la rodean, se vislumbran en el brillante trabajo audiovisual y en unos diálogos inmersos en una credibilidad que abruma. La complejidad moral, emocional, alejada de cualquier juicio y de cualquier postura maniquea, de todos los individuos que articulan esta historia tan real, nos permite adentrarnos con mayor verosimilitud en esta dura aventura que duele al mismo tiempo que entusiasma. Un ejercicio virtuoso que esta vez toma su cuerpo y alma en una sobresaliente interpretación de una Marion Cotillard inmensa. Su personaje, de gran carga emocional y vibrante definición, es explotado mediante un ejercicio expresivo extraordinario. La admiración constante que nos provoca esta gran actriz del cine contemporáneo se demuestra en cada película que realiza, confirmando en esta obra que cualquier personaje, del tipo que sea, es convertido en excelencia interpretativa gracias a ella. Su fuerza, sus lágrimas y su lucha incansable nos hacen viajar hasta los ecos más sórdidos y reales de nuestro mundo actual."
 
Lo mejor: Una brillante Marion Cotillard, y un ejercicio de definición moral y emocional de personajes admirable.

Lo peor: Cierto riesgo a que su sencillez formal se traduzca como simpleza.


NOTA: 9(*****)

lunes, 3 de noviembre de 2014

Crítica: El viento se levanta

"Es indudable la gran aportación de Studio Ghibli y del genio Hayao Miyazaki no sólo al mundo de la animación cinematográfica, sino también a la historia del cine a nivel general. El propio imaginario creado por este gran maestro y sus seguidores a través de las aventuras más increíbles que se puedan imaginar desarrolladas gracias a un ejercicio de animación absolutamente exquisito han originado un propio estilo cinematográfico, una oleada en movimiento a favor de este cine que se mueve con fuerza a lo largo del planeta. Pocas películas crean tanto consenso, y con razones sólidas como las de Studio Ghibli. Quien ha crecido con sus historias puede entender la enorme pasión que se siente con cada una de sus aventuras y cual es la pena que nos invade ahora al saber del adiós definitivo de su gran genio. Ese adiós toma forma en la pantalla a través de una obra agradable y poderosa que aunque llena de imaginación adopta una senda mucho más realista. La consecución histórica se une al visionario estilo de Miyazaki en una obra excesivamente calculada y milimetrada para saber andar entre la certeza histórica y la dulzura ficticia. Excesivo control que merma la explosión emocional y el arrojo de creatividad que ha inundado tantas y tantas obras maestras del genio japonés. Quizás se pedía más para una despedida por todo alto, quizás la comparación con demasiadas joyas le pesa a una película por momentos excesivamente edulcorada y que se antoja muy calculada, pero sí es verdad que muchas cosas siguen en su lugar: la exquisita animación, la bellísima música de Joe Hisaishi y la capacidad emocional de la historia y la entrega de cada uno de sus personajes envueltos por un perfecto tapiz de sueños cumplidos. Del mismo modo, quien haya vivido bajo la mirada poderosa de Miyazaki verá un precioso homenaje en la película a todo su cine, a todas sus rarezas, a todas sus maravillosas aportaciones a la creación de un universo propio. Así se va otro maestro del Séptimo Arte, diciendo adiós para no caer en la demencia creativa de la senilidad. Como dice la película y recordando con belleza tantos y tantos grandes momentos: "El viento se levanta, debemos tratar de vivir".
Lo mejor: Es un bonito homenaje a un bellísmo mundo al que echaremos mucho de menos.

Lo peor: Le falta la garra, la emoción y la expresión creativa de las grandes obras maestras de su realizador.
NOTA: 7,5(****)