Un año más los premios Corona inician la temporada de premios del cine español, unos premios que seleccionan aleatoriamente películas más independientes y otras más comerciales que la producción española nos ha dado este año. Antes de conocer las secciones competitivas, tenemos que saber que el premio de honor este año es para JAVIER ARTIÑANO, uno de los mejores diseñadores de vestuario de nuestro país, casi 40 años dedicado a crear geniales vestuarios, al servicio de directores como Luis García Berlanga, Pedro Olea, Imanol Uribe, Mario Camus, José Luis Cuerda o Vicente Aranda, donde ha destacado por sus trajes de época, con los que ha ganado 6 premios Goya, y el premio Ricardo Franco del festival de Málaga, este año los premios Corona distinguen su gran labor. A continuación las secciones competitivas:
Sección oficial:
Amigos
Catalunya über alles!
Crebinsky
De tu ventana a la mía
El Capitán Trueno y el Santo Grial
Eva
Intruders
La voz dormida
Lobos de arga
Lo contrario al amor
Mil cretinos
No controles
No habrá paz para los malvados
Primos
Vidas pequeñas
Transgression
Sección cine europeo:
Alpeis(Grecia)
El niño de la bicicleta(Bélgica-Francia-Italia)
En un mundo mejor(Dinamarca)
Habemus Papam(Italia)
La dama de hierro(Reino Unido)
Pina(Alemania)
Melancolía(Dinamarca-Alemania-Suecia)
The Artist(Francia)
Le Havre(Finlandia-Francia-Alemania)
Y ahora, ¿Adónde vamos?(Líbano-Francia)
Sección cine documental:
Al final de la escapada
Bertsolari
Circo
Escuchando al juez Garzón
Guest
La sombra de Evita
La noche que no acaba
José y Pilar
Morente
Un rey para la patagonia
Mientras duermes: 9(*****)
Jaume Balagueró, maestro del terror en España, nos ha ofrecido películas de gran calidad, imaginación y cargadas de una tensión que se puede palmar en el ambiente. Este último proyecto suponía un reto muy personal, arriesgado y un poco alejado, dentro de lo que cabe, de su forma de hacer cine. Suponía un salto al vacío, sin paracaídas, un film diferente, un laberinto de obsesiones, rarezas y angustia. Balagueró ha caído de pie, pues ha conseguido un film casi redondo, un historia traumática, delirante, sobre un psicópata aterrador, una película de misterio y auténtica tensión, tanto que deberás decirte a ti mismo, en algunos momentos, que tan solo es una película. El arma más fuerte a favor de Balagueró, es ese perfecto guión diseñado por Alberto Marini, cuyos giros están meditadamente construidos y guíados, lo que hace que una historia banal y simple adquiera dimensiones estremecedoras. El cambio radical del guión con respecto a otros films de Balagueró, es el análisis tan exhaustivo de los personajes, de sus miedos, de sus emociones, pero sobre todo este análisis se centra en el gran protagonista del film, César, un portero enloquecido, lleno de maldad y con el que llegas a simpatizar, gracias a su diseño tan complejo, que hace que el espectador se atreva a decidir, este personaje es interpretado de forma extraordinaria por un Luis Tosar en estado de gracia, su interpretación es única, sincera, cada suspiro, cada gesto que hace nos produce inquietud que a veces deriva en agobio. Sus lágrimas, sus lamentos son los nuestros y nos hacen hiperventilar, una interpretación prodigiosa y absolutamente magistral. Pero quizás ahí reside el problema principal del film, César está tan perfectamente creado, que opaca al resto de personajes, que llegan a verse eclipsado en el film, y a veces pierden totalmente la atención del espectador, pero a pesar de esta limitación hay que destacar el trabajo de la sincera Marta Etura, en cuyos minutos finales ofrece una clase magistral de dolor, y angustia, Alberto San Juan que demuestra un gran esfuerzo, y la genial Petra Martínez que brilla y debora la pantalla cada vez que aparece, mención aparte merece el inquietante trabajo de la debutante Iris Almeida, todos realizan con efectividad su labor gracias en gran parte a la gran labor de dirección de Jaume Balagueró, que también conjuga con elegancia un sobresaliente equipo técnico, a destacar el complejo e ingenioso montaje, que se combina de forma asombrosa con una fotografía extraordinaria, que remarca y palpa las situaciones de mayor ansiedad, consigue junto con el montaje dibujar las sombras de los planos más estrepitosos. El juego sonoro brilla por la fuerza con la que marca las emociones, y se combina muy bien con la inquietante banda sonora. Así como no podemos olvidarnos del notable trabajo de caracterización y de ambientación, perfectamente acorde y decisivo en la estética y propósito del film. Gracias a esta magnificiencia y efectividad Balagueró ha conseguido la mejor obra de su filmografía y nos ha aportado la que puede ser la película española del año, por su originalidad, extravagancia y valentía.
Lo mejor: LUIS TOSAR, maestro del terror.
Lo peor: Algunos personajes están diseñados muy superficialmente.
Intruders: 4,5(**)
Todos recordabamos aquella magnífica película que elevó a Fresnadillo a lo más alto de la cima, una de las mejores óperas primas que ha dado el cine español reciente, y quizás con ese aliciente nos esperaba uno de sus proyectos más ambiciosos con Clive Owen a la cabeza. Sin prometer nada asombroso nos sugería un gran espectáculo de suspense, pero lo cierto es que el resultado se aleja bastante de ese supuesto terror, esa tensión que intenta captar la historia, que se desmorona conforme avanza la trama, se hace cada vez más absurda, más insustancial, hasta rozar el ridículo. El principal problema del film reside en un guión horriblemente fragmento y diseñado, no solo la historia cojea, sino también la forma de contarla, a veces la película resulta insultante por su resolución tan explícita, los paralelismos inconexos de dos vidas, así como la escasa composición de los personajes, que parece que funcionan como bases para perpetuar el argumento. Fresnadillo ante tal material, no sabe ni dirigir los principales pilares del film, y su trabajo en esta obra es casi ausente. Quizás el punto más fuerte de la película lo tenga el equipo técnico, que sin grandes logros, consigue que la película no se hunda en las profundidades más absolutas. Hay que destacar la aceptable fotografía, el notable montaje, el destacado cuerpo sonoro, así como la correcta banda sonora. En último lugar está un reparto totalmente desaprovechado, Clive Owen está totalmente forzado, y no sabe jugar con la tensión dramática de su personaje, un personaje diseñado con muchas limitaciones, por otro lado tenemos a Carice van Houten que no pinta nada en el film, Ella Purnell que roza la sobreactuación, Daniel Brühl que resulta impostado, sobre todo por la intrusión estúpida de su personaje en la trama, y por último, Pilar López de Ayala que saca con nota su personaje, lo carga de expresividad, de emociones, incluso en momentos más díficiles, como cuando el sobrecargado maquillaje le impide gesticular, ella se esfuerza enormemente por conseguir sacar a flote su trabajo, dentro de esta película cuya base tan nefasta le ha hecho hundirse en un simple producto comercial que quiere copiar lo peor de la industria norteamericana.
Lo mejor: Pilar López de Ayala.
Lo peor: La absurda historia y el ridículo guión.
El árbol de la vida: 10(*****+)
Observar, disfrutar, meditar, reflexionar, ahondar y llegar hasta las cuestiones más complejas de la humanidad, esto es lo que propone el nuevo film de Malick. Su propuesta es una de las más ambiciosas de los últimos años, es capaz de conformar preguntas tan importantes y retóricas sobre las complejidades de la vida humana, estableciendo el principio y fin de la existencia, explotando los sentimientos más íntimos, jugando con las dimensiones del universo, luchando contra las fuerzas de lo imposible, y destronando con valentía los pilares de lo establecido, una metáfora, todo un bello ejercicio de poesía, un bello poema filosófico, una muestra de maestría, de arte, de como el cine se eleva a la categoría de arte, y como puede cambiarnos y estremecernos. Un proyecto de una supremacía extraordinaria que gran parte del público no entenderá o rechazará, un film de gran riesgo y valentía para los tiempos que vivimos, toda una evocación a la meditación, a cuestionarnos que valor tenemos, una historia de bellísima rareza y extravagante estructura, que costará asimilar, contemplar y disfrutar, por su mensaje, por su exquisitez, tan poco convencional que puede causar pudor, decepción o aburrimiento, todo un logro para el cine y para el arte. Quizás el problema más importante de la película es su clímax, que juega a veces en su contra, ya que en ciertos momentos se hace eterno, incluso para la persona más reflexiva, aunque también pienso que puede que forme parte de la compleja poesía que humaniza. Todo lo que construye lo hace con maestría y con belleza, proponiendo palabras llenas de significados y regalando imágenes de gran valía. Malick ha arriesgado mucho y le ha salido muy bien, sabe dirigir y escribir las más bella de las alabanzas líricas, y para ello se acompaña de un excelente equipo técnico que funciona sobresalientemente, la ambientación es exquisita, sólida, la música de Desplat y los meditados sonidos se complementan con la belleza de Mozart, Bach, Preisner..., los efectos visuales abruman por su fuerza, por su desgarrada imagen del universo, pero sobre todo aquí destaca la preciosa y artística fotografía de Emmanuel Lubezki, quizás lo mejor del film, un bello juego de luces y colores que enmarcan de forma sobresaliente las sensaciones del alma, los fuegos del espíritu, la grandeza del mundo, y de este modo completa esta excelente factura, que conjuga con extraordinariez el film, cuya jugada es redondeada por los actores que hacen entre humanos y divinos sus personajes, destacar a los niños, que con inocencia describen con perfección el despertar, Brad Pitt con una fuerza atronadora, y sobre todo Jessica Chastain que brilla, sobresale en ese papel de lágrimas, miradas, emociones, que trastocan el corazón, y es capaz de invadir la pantalla con su excelentes gestos cargados de humanismo y dulzura, centrando todas las atenciones del espectador. Un film que se idolatrá o se odiará, pero que desde hoy ha marcado la historia del séptimo arte, por su indudable capacidad de elevar a la condición de arte, lo más convencional, y lo más olvidado en la vida corriente.
Lo mejor: Su grandilocuencia, las lágrimas de Jessica Chastain, la poderosa fotografía y los impresionantes efectos visuales.
Lo peor: Su público es muy limitado.
La piel que habito: 8,5(****)
Vuelta del maestro manchego más internacional, quizás el film más esperado y ansiado por mi y gran parte del público seguidor de Almodóvar. Cuando anunciara este proyecto hace ya más de dos años, la incertidumbre nos llenó la cabeza, y esperamos con ansias el momento en el que el film tuviera sus primeros pases, sus primeros premios, primeras críticas y finalmente el estreno a nivel comercial, ha sido un camino de espera inagotable, en el cual algunos, hemos podido leer la magnífica obra que utiliza como base Pedro, "Tárantula" de Thierry Jonquet, algo que desaconsejo totalmente tras haber podido saborear el film. Los films de Almodóvar siempre originan un seguimiento extraordinario, tanto de público como de crítica, pues pocos directores en el panorama actual pueden presumir de tener un estilo tan propio,tan pulido y tan original, Almodóvar es idolatrado, pero también bastante odiado, por lo tanto sus films son acogidos con pleno subjetivismo, podemos experimentar sentimientos encontrados con sus películas, pero jamás indiferencia, siempre te hacen pensar, reir, llorar, alguna emoción que solo el buen cine consigue. Volviendo a su último y más arriesgado proyecto, podemos contemplar un cambio radical con respecto a sus anteriores películas, Almodóvar ha "envejecido" y la pantalla ofrece esa absoluta visión de este genio, no se trata de un film de terror, si no una historia agobiante, angustiosa, que mezcla diversos géneros, que se mueve por aguas turbulentas, te sacude la cabeza, el alma y el corazón, te deja pensar sobre los horrores de la humanidad, te engaña acerca de la vida y la verdadera identidad, un engaño sutil para que esclarezcas la verdad, se juega el "tipo" para "patinar" sobre escarcha, asume riesgos que solo un realizador de la talla de Almodóvar puede resolver de forma tan sublime, y consigue un final entre lo extraordinario y lo ridículo, de ahí su complejidad, de ahí su enorme fuerza y consistencia. Nos encontramos con un film arriesgado, de gran solvencia y notable resultado, pero quizás esperábamos más del manchego. Pienso que el principal problema que maneja el film y en el que ha caído Almodóvar es rediseñar un estilo complejo como el de esta novela, ha querido "torcer la tuerca", sobre una compleja y enrevesada base, ha querido darle más y más vueltas a la historia, que a veces parece que va a caer en el absoluto ridículo, y que parece fría y distante, luciendo un excesivo barroquismo, Almodóvar se ha equivocado en cierta manera eligiendo un material tan pesado, tan consistente, para autoacercarlo a su estilo y su forma de ver la vida. Aunque no sea del mejor cine Almodóvar, "la piel que habito" es un film muy notable, y que destaca por su madurez, madurez muy bien reflejada en esa factura técnica tan pulida y perfecta, nunca un film de Pedro consiguió tales logros técnicos, destacar la sobresaliente fotografía de Alcaine que dibuja la luz, las sombras y es capaz de captar la temible oscuridad y la angustia humana, con su paleta de fríos colores. Con igual maestría Alberto Iglesias compone una excelente banda sonora que maneja las emociones de forma contenida, para poderlas desatar minuciosamente, un trabajo complejo y exquisito que se complementa con las emotivas canciones de Buika. Antxón Gómez realiza un trabajo de dirección artística de extremada belleza, cada pintura, cada lámpara, cada símbolo del decorado tiene una simbología crucial para el film, el cuadro de Dafne refleja con claro clasicismo dentro de un ambiente hostil y moderno, la situación de Vera, el punto rojo del suelo maneja la tensión, los cuadros saben entender la simbología del film, así como el gusto del manchego por las artes, este magnífico despliegue de sensaciones, es acompañado de un trabajado vestuario, y buen trabajo de caracterización. Y no nos olvidemos del gran José Salcedo, que sabe montar el film con notable mimo y belleza, un montaje que capta los cuidados sonidos, que quieren remarcar una vez más el detallismo de este producto tan complejo. Almodovar maneja la dirección y el guión encabezando este extraordinaria familia, y sin duda, lo que mejor sabe es manejar a sus actores, les hace sacar lo mejor de si mismos, los hace brillar, porque los entiende y los educa, solo él comprende tan bien la visión interpretativa desde su perspectiva. Y efectivamente la mayor parte de los actores dan la talla, destacar al sólido Antonio Banderas en un papel de frialdad absoluta, el excelente trabajo de gestualidad y sensorial de Elena Anaya, que desborda belleza y genialidad, y la fuerza arrolladora de una Marisa Paredes en estado de gracia, y la ingenuidad y el dolor de los dos excelente jóvenes, Blanca Suárez y Jan Cornet. Roberto Álamo es una historia aparte, su interpretación es muy convincente, pero su personaje( el tigre) es un guiño absurdo, y que sobra para el desarrollo del film, para completar la trama, es uno de los peores errores de la película, el resto aporta su fuerza, talento y energía, para completar un reparto que brilla en este film moderno, pero clásico, angustioso, pero delirante, y sobre todo lleno de complejidades, muestra de un cine diferente, único, que Almodóvar intentará ofrecernos por encima de esta crisis de creatividad que asola la sociedad.
Lo mejor: La fotografía de Alcaine, la música de Iglesias y la dirección artística de Antxón Gómez.
Lo peor: Su excesivo barroquismo y el personaje del tigre.
Arrietty y el mundo de los diminutos: 7,5(****)
Bajo la ifluencia y guión de Miyazaki y promovida por los Studio Ghibli, nace esta pequeña historia llena de mágicos momentos. Sin duda, merece la pena confiar en la antigua animación, la animación hecha a mano, para que nos brinde historias, cuentos, fábulas llenas de genialidad, fantasía e imaginación, el mundo Miyazaki es de los más fascinantes del cine contemporáneo, y esta película sin tener completamente su sello, huele su esencia, derrocha imaginación, brota con fuerza. Un añadido especial a este tipo de cine, es que la historia no se mueve por "aguas" dramáticas, conmovedoras, la fábula es más desenfadada, alegre, tranquila y para disfrutarla, para dejarse llevar. Este cambio de rumbo menos exacerbado, tiene sus inconvenientes, pues el film a veces resulta demasiado simple, banal, no llega a trascender de la forma que lo consiguen otras obras de mayor envergadura, de una dimensión más atronadora. Aún así, Arrietty consigue sacarte una sonrisa de satisfación, de dulzura, de ternura, principales cualidades de la película que la mueven por un terreno estable. La novela de Mary Norton ofrecía ya toda una obra de fantasía, y el maestro Mizayaki ha diseñado el guión con mucho mimo. Entre los aspectos más destacados del film, además de su indudable creatividad, es la excelente partitura, con temas cantados, otros más sonoros, que facilita crear un magnífico clímax. Una obra para los amantes de las emociones sin sobresaltos.
Lo mejor: Su creatividad y la banda sonora.
Lo peor: Su excesiva simplicidad.
Harry Potter y las reliquias de la muerte: Parte II: 7,5(****)
El mago Potter llega a su fin, la saga se acaba, llega el momento de la hora final. Desde aquel ya lejano 2001 que nos llegó la primera adaptación de Rowling, han pasado bastantes años, muchas aventuras y 8 películas, sin llegar a cuajar, ni deslumbrar, la saga nos ha mantenido atados, con sus subidas y bajadas, y nos ha hecho que año tras año estemos pendientes del estreno del fenómeno Potter. Este mago forma parte de la infancia y adolescencia de mucha mucha gente que ha disfrutado de sus aventuras y viajes. A pesar de que la saga podría haber conseguido más de lo ofrecido, el balance a niveles generales, es bastante positivo, y como culminación tenemos el último film, que nos devuelve a los mejores films del señor Potter. Con las expectativas muy muy altas entré en el cine, pues la primera parte de estas "Reliquias de la muerte" prometía un final único, pero se me apagaron bastante las "antorchas", bien es cierto que el nivel de esta última y definitiva entrega es superior al de sus 4 antecesoras, pero se ha perdido bastante por el camino. Con un arranque atronador, y prometedor, y un desarrollo de gran fuerza, el film va perdiendo conforme se acerca al alargado y sensacionalista final. No solo se repite, sino que suprime elementos del libro de gran valía, nos engaña con aspectos de caracterización final, dibuja todo "perfecto", reivindica los maniqueos valores americanos, ultrasensacionalistas, del bien encima del mal, hace lo blanco negro, en definitiva se equivoca profundamente dándole ese giro al guión en su parte final. Me siento en cierta manera defraudado, pero por otro lado tengo que decir que el resto de la película tiene un gran atractivo, no tanto por factores principales como guión o dirección, sino más bien por el brutal y más generoso que nunca despliegue técnico, destacar los fascinantes y excelentes efectos visuales, la abrumante fotografía, el impacto sonoro, la notable banda sonora, la caracterización, vestuario, pero por encima de todo, la magistral dirección artística, Hogwarts nunca estuvo tan bien diseñado, absolutamente una delicia para la vista, este complejo trabajo de decoración, y reconstrucción. Con respecto al reparto, el trío protagonista se queda en la mera corrección, quizás por la limitación de sus papeles, el trabajo fuerte lo tienen puntuales secundarios como Maggie Smith, Alan Rickman o Ralp Fiennes, pero a niveles generales, el trabajo actoral no es malo, pero no trasciende en absoluto. Con todo esto, determinar que se podría haber hecho mucho más, y que esta última película es bastante acertada, dentro de sus posibilidades, y completa una saga, intrascendente por su calidad, pero memorable por su repercusión.
Lo mejor: La dirección artística.
Lo peor: El absurdo final.
Me ha hecho mucha ilusión este premio, porque a partir de este año el blog ha dado un bajón importante, principalmente debido a mi dejadez, el primer año de facultad es todo un descubrimiento, cambia la vida de toda persona. Así que muchísimas gracias a aquellos que, a pesar de lo pormenores y mis olvidos, siguen apreciando mi blog y mi trabajo en él. En primer lugar agradecer al que me ha concedido este premio, Lalo Martín, cuyo blog El rincón de Lalo ha crecido muchísimo, hay que destacar su seguimiento de actores y actrices de nuestro país, totalmente ejemplar, también agradecer a otros muchos blogs como Cinoscar & rarities, Los Oscar 2012, El blog del cine español, El rincón de Domive, MÁS CINE....y muchos otros blogs que hacen que esté horas y horas pegado al ordenador, gracias a todos y cada uno de ellos, y bueno llega la hora de elegir 10 blogs, intentando no repetir y que me llamen mucho la atención:
Los elegidos son............
Cinoscar & Rarities
4:3 /16:9 El blog de Antara
Cajón de Historias
MÁS CINE
un blog de José Barriga
Sergio Design
RATOS DE CINE
Premios Oscar y Estrenos
Christopher Nolan´s Fans
Cinespera
..........Y la frase:
"La vida no es más que un ensayo interminable de una obra que jamás se estrenará"(Amélie), porque reivindica el vivir la vida, sin preocuparnos de la imperfecciones.
