Crudo:
"Hay películas que te atrapan por sus inquietantes apuestas. Es el caso de este film francés, que nos sumerge en los instintos del canibalismo, con un lenguaje propio y una historia muy particular. Justine, vive en un entorno familiar vegetariano, hasta que tiene que abandonarlo para estudiar la carrera de veterinaria, en una facultad un tanto especial, en la que da rienda a sus instintos y toma conciencia real de su vida. Todo este prefacio nos introduce a un personaje muy interesante, que encuentra en ese espacio aislado, de extremos, y atado a la locura, su deseo más carnal, convirtiéndose este en una especie de síntesis sobre nuestro proceso de crecimiento emocional y sexual, siempre atado a nuestros más íntimos instintos animales. Con un guion curioso, una apuesta audiovisual inmersiva y sugerente, una música vibrante y la complicidad de dos actrices sólidas, se erige este cuento terrorífico, que quizás exigía un trato más meditado y una apuesta más inmersiva, pero con ello, no deja de arrebatarnos nuestras inquietudes más ocultas, ante una experiencia absolutamente única."
NOTA: 7,5(****)
El muñeco de nieve:
"Sobre la novela de Jo Nesbø y contando con la complicidad de Thomas Alfredson, y Michael Fassbender, esperábamos un film de arrebatadoras e inquietantes aportaciones. No obstante, desde el comienzo de la cinta y conforme se precipitan los diversos acontecimientos que la hacen avanzar es inevitable no sentir cierta vergüenza ajena, por una película insultante en sus giros, de erráticos planteamientos y desdibujados personajes, y por momentos, de un exceso técnico, que acentúa la caricatura. Lo que podría haber sido un thriller con entidad, gracias a la complicidad de los dos genios mentados, acaba derivando en un nefasto producto, que más que inquietar, provoca la risa involuntaria. En lado bueno de la balanza, nos encontramos una fotografía de valores muy atmosféricos y la siempre entereza de Michael Fassbender, elementos insuficientes para salvar a esta película de la absoluta quema, a la que ella misma se somete."
NOTA: 3,5(**)
La piel fría:
"Albert Sánchez Piñol vierte en su novela el valor sobre el concepto de la humanidad, y su absoluto poder destructivo, con un tono entre fantasioso y apocalíptico, y aunque en el film que la adapta aparecen estas pequeñas reminiscencias filosóficas, es una lástima que sus personajes se muestren tan hieráticos y esquematizados, siendo incapaces de esbozar este latente discurso. Respaldada por un conjunto técnico notable (brillantes efectos especiales, notable dirección de arte y envolvente fotografía), la película acompaña a dos personajes diferenciados, pero sin deriva, que conviven en el lugar más inhóspito de la tierra, bajo la atenta mirada de un ser monstruoso reconvertido a lo humano, y bajo la amenaza de cientos de diabólicos anfibios. Este tándem intenta sumergirnos en una profunda y dolorosa reflexión sobre el camino de la humanidad, pero esta se queda en la superficie por culpa de personajes mal resueltos, y por dos actores incapaces de aportar nada a su insuficiente material. Una pena absoluta, cuando claramente el material y sus aportaciones podrían haber encontrado caminos de gran interés."
NOTA: 5,5(***)
Madre!:
"Conocemos bien las inquietudes artísticas de un realizador como Darren Aronofsky, un realizador que en la precisión encuentra sus mejores resultados. En esta ocasión nos sumerge en este relato confuso, de atmósfera desasosegante, que va avanzando de forma truculenta, y nos invita a forma parte de una discursiva realmente compleja. El valor del origen de la tierra y la humanidad, y las matizaciones religiosas-católicas fermentan la idea principal de un film que se antoja más simbólico que realista. Ahora bien, la síntesis semántica de una manera u otra se atisba con admiración, pero la película en sus múltiples vértices es incapaz de crear interés, por el excesivo caos al que sucumbe, y en general, debido a un ejercicio arbitrario, que prefiere jugar al efectismo en detrimento de una apuesta mucha más analítica y en cierta manera, densa en sus aportaciones. De notable factura técnica, y con la entrega de un reparto notable, en el que Jennifer Lawrence firma su mejor papel hasta la fecha, nos encontramos con una película interesante por su riesgo y aportación, pero en cierta manera fallida, por su desequilibrada tabla de ponderaciones."
NOTA: 6(***)
Musa:
"De afianzada carrera en el cine de género, Jaume Balagueró vuelve a encontrar su vertiente más industrial, en esta película de consideraciones muy anglosajonas. Sobre base literaria y utilizando un recurso tan interesante como el mito de las musas, que en este film, por momentos, presenta una definición muy sugerente, se construye una película, de sólido empaque técnico, avance entretenido, pero reducido al valor de lo industrial. Es una película de brochas gordas, estereotipos y numerosos clichés, que resuelta con astucia, no aporta absolutamente nada. Incluso confía en ciertas decisiones erráticas, que se ven vertidas en un reparto absolutamente descafeinado. No llega a ser una mala película, pero es una lástima, que la entidad en el género que aporta Balagueró, se vea sucumbida por este tipo de productos, ejercicios en cadena."
NOTA: 5,5(***)
El amante doble:
"Envuelta en un halo de misterio e inquietud nos sumerge esta película en una historia tan particular como truculenta. François Ozon compone su film más extraño en tono de thriller, que poco a poco se va desmontando hasta abatir un final de auténtica descompensación. Una película que nos habla acerca de síntesis humanas muy profundas, que atañen a la psicología, a la biología, a la propia física, y que intentan desentrañar ciertos principios de construcción acerca de la percepción humana. No obstante, la trama está planteada de forma tan poco creíble, los giros son excesivos, y el final se tambalea entre el exceso y una poética fácil, que poco o nada consigue adentrarnos en esa compleja espiral de construcciones discursivas. Es una lástima que Ozon haya tropezado de tal manera en la narrativa de este ejercicio tan ambicioso, pues su sensibilidad y arropo visual están presentes, y sus protagonistas defienden con solvencia sus personajes. Logros que meramente quedan en el escaparate de una película que viaja más en sus intenciones, que en sus desastrosos resultados."
NOTA: 4(**)
El sacrificio de un ciervo sagrado:
"Si hay un director con una definición muy personalizada en sus películas ese es el griego Yorgos Lanthimos. Su cine presenta una tendencia dominante, en cuanto a su discurso y el planteamiento de sus personajes. Su salto al mercado anglosajón no ha supuesto una pérdida de su esencia, que se mantiene intacta en sus últimas aportaciones cinematográficas. Viajando en la dimensión espacial de Kubrick, los retorcidos universos de Lynch o en la compleja espiral de violencia de Haneke, se edifica una película de interesantes aportaciones sobre la mecanización del momento presente. Es una película que nos lanza un discurso feroz acerca del egoísmo humano y su alianza a los devenires de una sociedad en continuo declive, por culpa de su arrogante conversión. A diferencia de sus obras precedentes, la película muy clara en el posicionamiento de sus personajes y su claro componente discursivo, se despoja de la marca humorística, que había acompañado, de un modo más o menos relevante, la construcción cinematográfica de los anteriores trabajos de este realizador. Es una película de espacios que te atrapan, y de personajes que te arrancan la piel tira a tira, muy finamente, para finalmente eclosionar en el arrojo de un estruendo apoteósico. La mirada de Lanthimos no desperdicia un segundo la oportunidad de adentrarnos en la despiadada violencia de cada plano, de cada gesto, cada mirada, cada sonido. El trabajo de arte nos encierra en ese espacio de matizaciones múltiples y sensación angustiosa, y el sonido nos envenena el cerebro al tiempo que las imágenes contaminan el dolor de lo que presenciamos. Tampoco, la película sería lo mismo sin el gesto perdido de Colin Farrell, la furia silente de Nicole Kidman, o el absoluto arrojo interpretativo del magnífico Barry Keoghan. Su presencia y su discurso, componen una de las películas más irreverentes, complejas y fascinantes de esta temporada cinematográfica."
NOTA: 9(*****)
En realidad, nunca estuviste aquí:
"Lynne Ramsay nos había fascinado con anteriores trabajos. Esa capacidad para extraer de la psicología de los personajes auténticos universos audiovisuales, denotaba una sensibilidad y una capacidad para aprovechar las posibilidades del séptimo arte, absolutamente insólitas. En su nuevo trabajo, toda esa apuesta tan propia, adopta una forma absolutamente radical. Pues estamos ante una película muy atmosférica, experiencial, que casi se convierte en el estado de ánimo de un personaje. Ese personaje principal de emociones convulsas y duros resquicios pasados. Sin embargo, el riesgo que entraña este tipo de ejercicios, en este caso, empaña un poco las aspiraciones de una película que podría haber transcendido mucho más. Se tiende a la repetición y a la concatenación de fórmulas, que pasado cierto tiempo, no aportan sorpresa, o estimulación, y por ende, el film siente la necesidad de desplegar sus alas hacia otros horizontes, que den consistencia a lo que estamos viendo. Por tanto, al final la capa estética es muy resolutiva y muy atractiva, pero el fondo queda un tanto desdibujado, y en cierta manera vacío. Eso sí, con la complicidad de un ejercicio técnico vibrante (excelencia en el montaje, el sonido, la música y la fotografía), y con la mirada firme y recia de ese inmenso actor llamado Joaquin Phoenix, que hace suyo un personaje con numerosas aristas, pero que quizás no encuentra en esta obra su mejor vehículo de expresión."
NOTA: 6(***)
Happy End:
LXV FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN:
"Poca gente que haya disfrutado de la filmografía del inmenso Michael Haneke, no dará cuenta del completo y continuado discurso sobre la violencia que este realizador intenta perpetuar, a través de modelos diferentes, historias íntimas y expresiones concretas. Este film último rompe con todo lo anterior de una manera habilidosa. Contándonos las particulares hazañas de una familia burguesa, en relación con el mundo presente, y dibujando por separado las particularidades de los diversos miembros, se conjuga un ajuar de expresiones pasadas. Es decir, la película, en tono de comedia negra, compila e ironiza sobre el valor de la violencia, reuniendo iconos y matizaciones de películas anteriores de Haneke, como forma de dar la vuelta a todo lo anterior y atender a la sátira más personal, en su continua comprensión del mundo de la violencia actual. Su excelente reparto, con especial mención a un magnético Jean-Louis Trintignant, se convierte en el mejor aliciente, de una película que combina diversos formatos de captación de imágenes en movimiento, y que completa con astucia cada uno de los vértices que comprende este ejercicio. Una vuelta de tuerca, que pocos entenderán, por su apariencia y discurso, pero que supone un paso más en la definición de la obra de un director extraordinario."
NOTA: 8(****)
La seducción:
"Sobre la novela de Thomas Cullinan y el antecedente cinematográfico de Don Siegel, Sofia Coppola construye esta historia de mujeres en el contexto de la guerra civil norteamericana en Virginia, la historia de una realidad, de una sociedad, y un de momento, de claras conexiones con nuestra actualidad. En una escuela femenina de Virginia, de absoluta tranquilidad en relación al entorno hostil que acontece, todo se quiebra cuando un desertor aparece malherido ante ella. Este giro de la trama, supone la formulación y la construcción de los diversos personajes existentes, y compendia las diversas aspiraciones de una película de potente discursiva. Coppola es una maestra de la estética, así queda demostrado en el cuidado y detalle de las imágenes, de pictórica y admirable fotografía, y con el encanto de unos ejercicios de arte y vestuario absolutamente deliciosos. Sin embargo, y sin quitar ojo a los precedentes, la película se presenta un tanto vacía, pues los personajes pecan de cierto hieratismo, la sensualidad y la sexualidad de la propuesta son absolutamente ridículas, y hay líneas de guion con las que uno no puede evitar sonrojarse. El problema reside en ceder las virtudes de un relato tan poderoso, en pro de un ejercicio que queriendo ser sutil, se convierte en mojigato y edulcorado. Todo ello, y por desgracia para ellas, contando con la complicidad de un reparto femenino extraordinario, con especial mención para una estupenda Nicole Kidman, que levanta como puede las costuras de este cuento de muñecas."
NOTA: 6(***)
The Square:
LXV FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN:
"Ruben Östlund se ha convertido en el cineasta más importante de la actualidad cinematográfica sueca, y en uno de lo más relevantes de Europa, y es que su cine, muy conectado con un humor y una realidad muy local, ha ido creciendo y trasladando esas cuestiones a un ámbito más europeo, e incluso universal. Su nueva película nos acerca a los entramados de la contemporaneidad, con especial hincapié en el mundo del arte, como forma de conectar diversas realidades y diversos personajes, siempre mirando de frente a ese contradictoria realidad burguesa, tan europea. Sobre la premisa de la construcción de una instalación/exposición artística contemporánea llamada "The Square", se sigue la vida y las hazañas de un personaje tan patético como interesante, llamado Christian, mánager de un museo de arte contemporáneo. Su vida y la consecución de los acontecimientos que le suceden empiezan a conectar diversas realidades que de una manera u otra nos hacen entrar en contacto directo de un modo muy honesto con el acontecimiento latente. Es una película de irreverencias, de excesos, pero todo está hilado muy fino, con un gran sentido del gusto y con la capacidad de quien domina con solvencia las habilidades del séptimo arte: desde el trabajo de dirección, pasando por la maravillosa dirección de arte, hasta la aportación generosa de ese estupendo actor llamado Claes Bang. Una suma de ingredientes, a veces ruidosa, a veces apetitosa, pero siempre contundente en su capacidad para mantener el ingenio en alza."
NOTA: 8,5(****)
Se cumplen 10 ediciones de los premios principales de este blog, 10 años premiando cine y que mejor manera que celebrar este décimo aniversario, presentando el premio honorífico de este año, un premio honorífico muy especial y simbólico, y planteando los nuevos cambios y directrices de los premios, a partir de esta décima edición.
El principal cambio atañe a la inclusión de una nueva categoría y a la supresión de algunas, como forma de dar un valor más académico y serio a estos premios. Por tanto, desaparecen las categorías de mejor reparto, mejor pareja cinematográfica, premio a la poesía, premio reflejo social, premio entretenimiento familiar y premio del público. En cambio, aparece la categoría de mejor película española, por la gran cantidad de cine español visionado a lo largo del curso.
Establecido esto y valorando, en primer lugar, el conjunto de todas las categorías, los principales cambios que se establecen son los siguientes:
-Podrán ser nominados 5 candidatos por categoría, con alguna excepción, lo que dará lugar a una terna de 6 candidatos.
-Una misma persona puede competir contra sí misma, sea la categoría que sea, sin necesidad de realizar un trabajo conjunto con otra.
-Compiten en esta X edición, las películas estrenadas comercialmente en cines españoles entre el 17 de marzo de 2017 y el 16 de marzo de 2018, ambas fechas incluidas, además de las películas vistas/exhibidas en el último Festival de san Sebastián (pudiéndose aplicar este último punto a otros festivales tanto celebrados en España como en otros países, para ediciones futuras).
Pormenorizando en categorías concretas:
-No puede optar una misma persona por el mismo trabajo de forma doble, a las categorías de dirección y dirección novel, y por ende, son exclusivas.
-En cuanto a las categorías actorales, un actor no puede competir por el mismo trabajo de forma doble o triple, en las tres categorías interpretativas masculinas o femeninas, por lo tanto son exclusivas.
-La categoría de mejor dirección artística, pasa a denominarse "mejor dirección artística o diseño de producción", pasando de esta manera a contemplar la diferente denominación que se aplica, según el país o la industria, al máximo responsable de los decorados. Tampoco pueden optar a este premio personas adicionales al cargo señalado, es decir, no se admite la posibilidad de que el decorador del set compita también en la categoría, como pasa en los Oscar.
-La categoría de mejores efectos especiales, pasa a denominarse "mejores efectos especiales y/o visuales", para de esta manera hacerla más inclusiva, y puedan competir, o bien los responsables de efectos especiales mecánicos, o bien los de efectos visuales, o ambos en la categoría.
-Podrán incluirse categorías de "mejor película de animación", "mejor película documental" y "mejor cortometraje (con división en ficción, documental y animación)", siempre que haya un mínimo de 5 películas visionadas de esta tipología por cada categoría.
-El premio especial, se vuelve más inclusivo, y pasa de considerar únicamente largometrajes, a también cortometrajes, actores, cineastas o demás personalidades, empresas o movimientos relacionados con el Séptimo Arte.
De igual modo, los anti-premios del blog (Albertarraco), sufren algunas modificaciones:
- Se eliminan las categorías de peor reparto, peor fotografía, peor música original, peor aspecto técnico, y la mención especial al aburrimiento.
-Aparece la categoría de peor conjunto técnico, que valora en conjunto toda la factura técnica de la película.
-La categoría de película más pretenciosa, pasa a ser "película más sobrevalorada", como forma de dar un valor más concreto a dicha categoría, mientras que el premio a la carrera decadente, pasa a ser especial, y podrá premiar un largometraje, un cortometraje, una persona, una institución relacionado con el cine.
Dicho esto, vamos a conocer el premio Blogger Albertaco honorífico de este año.
En esta edición, el premio tiene una especial vinculación personal conmigo, pues se quiere premiar la labor de mi director favorito del cine español. Se ha dicho tanto sobre él, que soy incapaz de vertebrar palabras originales para describir la inmensa labor que ha supuesto su aportación cinematográfica a la construcción artística de los últimos sesenta años. Fue uno de los grandes maestros que revolucionó nuestra filmografía a mediados de los 50, promoviendo y creando un cine reivindicativo de sutilezas metafóricas, con obras maestras como "La caza", "La prima Angélica", "Cría cuervos", y "Elisa, vida mía", por citar sólo algunas. La nominada al Oscar "Mamá cumple 100 años" finalizó esta etapa artística, abriendo un nuevo camino a favor de cierta indagación en el valor del costumbrismo y del folclore. Así surgieron "Deprisa, deprisa", película adscrita al movimiento tan local del cine quinqui, o su admirada "Trilogía flamenca", que luego ha dado ciertas muestras de continuidad. Tras numerosas aportaciones y experimentaciones, capaces de interconectar sus diferentes aspiraciones y miradas, el aquí premiado, el grandísimo Carlos Saura sigue en activo, reiventándose y buscando nuevos proyectos, de diferente naturaleza y con discursos muy variados. Su lista de premios es muy amplia: 1 premio Bafta, 3 premios en el Festival de Berlín (incluido el Oso de Oro), 4 premios en el Festival de Cannes, 2 premios en el Festival de San Sebastián, 6 premios CEC, 2 premios Goya, y premio del cine europeo, Feroz, Fotogramas de plata y José María Forqué a la trayectoria, entre otros tantos galardones y nominaciones (2 nominaciones a los Oscar). Pocos maestros como él quedan en activo, y este año, este blog decide premiar de forma honorífica su inmensa labor a favor no sólo del cine español, sino también de toda la cinematografía mundial.
Abracadabra:
"Si con su segunda película Pablo Berger consiguió lo imposible, es decir el valor de la obra maestra, su tercera aportación consigue salir erguida del reto, pues las comparaciones con su antecedente eran inevitables. A través de esta comedia, entre el casticismo más exacerbado y cierta fantasía, como si de una manera u otra se nos acercara al realismo mágico de una manera cotidiana, se nos cuenta la historia de Carmen, que sujeta a ciertos condicionantes contextuales tiene que hacer frente a la nueva situación que vive su marido Carlos. Con una premisa peligrosa, la película comienza avanzar ante la senda de lo impredecible para capturar un cuento, no sólo repleto de magia y momentos hilarantes, sino también complejo en su semántica y discurso sobre lo que somos y hemos sido, y el poder del cambio. Carmen, es sintomática de una realidad muy latente en esta España nuestra. Ella hace frente a la peripecias que le plantea la trama con habilidad e incansable valentía. Su historia brilla en la mirada del creativo Pablo Berger, que se rodea de la brillantez de un equipo técnico absolutamente notable y de un reparto en estado de gracia, en el que una vibrante Maribel Verdú y un camaleónico Antonio de la Torre, ponen las notas de excelencia a este cuento tan bizarro como veraz."
NOTA: 8(****)
Incierta gloria:
"Hermanada de alguna manera con esa vibrante obra maestra que es "Pan negro", surge esta historia de miserias en plena Guerra Civil en el frente de Aragón. Una historia de supervivientes, que movidos por el egoísmo hacen frente a una guerra que los convierte en auténticos animales depredadores. Agustí Villaronga, firma este episodio histórico, a partir de la reconocida novela de Joan Sales, y le otorga su particular mirada, a través de las inquietudes de los personajes, de su expresión, de su relación con el entorno, y su forma de encontrar voz entre tanta oscuridad. Siendo una obra menor a su predecesora, estamos ante una película de rabiosa contundencia discursiva, y también formal. Es admirable el conseguido ejercicio técnico: la vibrante propuesta fotográfica, la ambientación, el sonido, la música...y por supuesto es de admirar dos composiciones que rozan la perfección. La de ese luchador perdido, que interpreta con admirable destreza Oriol Plá, y la de esa Carlana, poderosa, despiadada y por momentos frágil, que interpreta una Núria Prims absolutamente prodigiosa. Ellos son la marca de excelencia de una película, que consigue definir una de las muestras más completas del año, en cuanto a la definición de un discurso audiovisual sólido y transcendente. Una hazaña más en la brillante obra de Agustí Villaronga."
NOTA: 8(****)
La librería:
"La sensibilidad estética de Coixet es una de sus marcas incontestables. Y su nueva película, sobre el mundo de la literatura y su particular lucha en una sociedad sometida a la ignorancia, mantiene ese incontestable sello estilístico. Pues, desde el primer minuto, se siente en la historia, una atmósfera que te atrapa y te sumerge de lleno en la época, el lugar y en la historia de sus protagonistas. No obstante, a veces, Isabel Coixet da tanto valor a esta fina capa, que sus historias quedan algo desilachadas. No es exactamente el caso de Florence Green, protagonista de la novela sobre la que se basa la película y por supuesto del film en cuestión, pues a pesar de cierta contundencia de los personajes, faltan giros, falta tensión dramática y en general falta la garra que requiere una historia de estas condiciones. Todo está tan suavizado, que a veces uno no conecta con los principios de una protagonista, por momentos excesivamente esquemática. Por otro lado, la deliciosa factura técnica y en general un reparto muy entonado son alicientes suficientes para disfrutar de esta película, que navega un poco en tierra de nadie, a pesar de sus amplias y numerosas virtudes discursivas y estilísticas."
NOTA: 7(****)
La llamada:
LXV FESTIVAL DE SAN SEBASTIÁN:
"El éxito a pequeña escala de la obra de teatro "La llamada", y no tan a pequeña escala, de ese producto llamado "Los Javis", ha provocado el fuerte ruido que ha tenido la adaptación cinematográfica de la citada obra. Sin embargo, y admirando ciertas virtudes, como por ejemplo la preciosista fotografía, ciertas diálogos, y por supuesto un cuarteto de actrices notable, estamos ante un film con numerosas carencias cinematográficas y por supuesto, una historia incapaz de trascender en pro de la anécdota y la gracieta de turno. Es una película que se sigue de forma liviana, y resulta entretenida, pero es hipócrita pensar que está supuesta película rompedora, en voz de numerosos seguidores del dúo, realmente ha tenido algún logro, aunque sea a nivel cinematográfico. Hay secuencias realmente pobres, momentos metidos con calzador y en general un exceso de verborrea y apariencia muy a tono con los tiempos que vivimos, y con el modelo que defienden estos dos personajes."
NOTA: 6(***)
Muchos hijos, un mono y un castillo:
"Tener una madre como Julita Salmerón es una auténtica joya para cualquier cineasta. Sus aportaciones y su alocada vida son las expresiones más hilarantes que he visto en el cine en mucho tiempo. Gustavo toma estos momentos de su madre, a través de una estética doméstica y nos regala todo ese arsenal de momentos tronchantes. Pero ahora bien, lo que hace mágica esta película, viene quizás a posteriori, en el proceso de montaje, a través de la conversión de estas graciosas secuencias en un ejercicio valiente sobre nuestro tiempo. Y es que la película no sólo nos hace reír a carcajadas, sino que también nos hace sentir muy dentro y muy real la historia de Julita, que nos ayuda a conectar con nuestro tiempo de un modo espontáneo, al tiempo que complejo. Su fondo y su forma casan de una manera incontestable para regalarnos una de las películas más interesantes de los últimos años."
NOTA: 7,5(****)
Tadeo Jones 2. El secreto del Rey Midas:
"Vuelven
las aventuras de Tadeo Jones, personaje que ha rentabilizado toda la
obra de Enrique Gato. Esta vez, el viaje conecta de algún modo con los
valores de nuestra geografía. El camino adquiere su máximo valor con la
llegada a Granada, donde ciertas matizaciones locales entran a formar
parte de la cinta. No obstante, si al primer largo de este personaje le
achacabamos una visión excesivamente infantil, y excesivos lugares
comunes, esta peca de no aprovechar los recursos autóctonos a nivel
discursivo, y acomodarse en las manidas caricaturas. Así es, Tadeo
Jones, no termina de alcanzar un valor universal, y se queda en un
producto torpe, incapaz de aprovechar su notable empaque técnico, en
este caso con mirada especial a la mimada dirección de arte. Valores
sólidos de construcción, que se pierden por la incapacidad de dar forma a
un guion de interesantes repercusiones."
NOTA: 4,5(**)
Verano 1993:
"Miradas que desafían al tiempo, gestos que erizan el pelo y llantos que suponen el principio del fin. En definitiva, pequeños detalles, aparentemente sin importancia, que nos regalan una vida. De esta manera, Carla Simón agudiza los sentidos, para a través de lo mínimo, regalarnos un mar de emociones. Pues la historia a la que nos traslada es su historia personal, y en la pantalla esta se siente muy dentro, por lo que se cuenta y como se cuenta. Es admirable la sensibilidad y la inteligencia para abordar el duelo de Frida, de un modo tan mágico y a la vez tan doloroso. Como la cámara acompaña a este dolor, pero en ningún momento esta peca de tremendismo, muy al contrario, otorga luz al discurrir de la vida, a pesar de aquellos agujeros irreparables que surgen en el trayecto. Carla Simón filma un auténtico milagro, y nos regala una película de sensibilidades muy finas, pero que conectan de forma directa no sólo con su historia, sino con la historia de todos aquellos que vivieron y/o malvivieron en una época concreta. Todo tratado desde el detalle y la absoluta sensibilidad que otorgan los motivos veraces. Y por supuesto, nada hubiese sido lo mismo, sin el gesto, la mirada y la expresión de esa niña magnífica llamada Laia Artigas, que ofrece a la cinta una dimensión casi mágica a través de ese halo que le acompaña durante todo el metraje, y que se convierte en el mejor aliado de un film capaz de emocionar con las caricias más suaves y precisas."
NOTA: 9(*****)
Verónica:
"Hemos tardado varios años para que uno de los directores más respetados dentro del género, diera un gran salto cualitativo, que revolucionara en cierta manera la industria del cine de género en España. Paco Plaza, firma una historia muy particular, a través de motivos ya manidos en este tipo de cine. El valor de la posesión, y del juego de la Ouija adoptan aquí el discurso de darle la vuelta a todos estos esquemáticos planteamientos, para labrar la historia de esta adolescente en la Vallecas de los años 90 (y además inspirándose en un caso real). La historia de esta joven juega con habilidad con las expresiones del género y las introduce en un contexto concreto, a través de los numerosos y cuidadosos detalles de la cinta, para finalmente labrar un discurso sobre el salto a la madurez. Plaza lo maneja con atino, con firmeza técnica (extraordinarios trabajos de sonido, montaje y ambientación) y con la complicidad de un reparto extraordinario, en el que Sandra Escacena y sus jóvenes acompañantes firman un trabajo excelso. Trabajo que recompensa una cinta insólita y realmente valiosa para los albores del género en nuestro país."
NOTA: 7,5(****)
Coco:
"Sabemos bien de las habilidades de Pixar para enamorarnos desde hace años con un concepto diferente del cine de animación: la capacidad de sintetizar arte y entretenimiento, la capacidad de elevar la animación para reivindicarla como un cine al alcance de todo tipo de público. Su última aportación, que navega por los valores culturales de un país como México, y reivindica el valor del recuerdo de la vida ya no presente, no es para menos. Un film de una magia peculiar, que desde el guion, la preciosa música y un trabajo de animación extraordinario consigue enamorar desde el primer al último fotograma. Se advierten ciertos tics propios de la factoría Pixar, pero todo es tan armonioso, tan elegante y tan extremadamente emocionante, que estas pequeñas fracturas se disuelven a favor de uno de los homenajes más bellos al país de México y una de las mayores joyas de la animación mundial."
NOTA: 9(*****)
Déjame salir:
"Probablemente estemos ante una de las películas más arriesgadas de la temporada, y más si cabe si la contextualizamos dentro de un modelo de producción como el norteamericano. Esta particular sátira sobre el valor de la persona negra en la sociedad norteamericana actual ha sacudido a gran parte de la crítica, y no es para menos, pues su irreverencia y su descaro muy pocas veces se ve en el cine. Sin embargo, la cinta en conjunto se ve lastrada por una serie de imprecisiones. La presentación de personajes peca de obvia y se antoja muy lineal, del mismo modo, que la resolución es efectista e injusticadamente excesiva por momentos. La postura de satirizar el discurso del racismo en la sociedad actual se ve disuelto por un ejercicio que se antoja más turbio que hábil. Todo es tan oscuro y rocambolesco, que aunque sepamos apreciar ciertos puntos de ingenio, al final todo acaba sintetizándose en la anécdota, más que un discurso complejo y provocador, cuando es inevitable aplaudir el arriesgado e ingenioso concepto que maneja su realizador, a pesar de sus lastradas intenciones."
NOTA: 6(***)
Dunkerque:
"La pretenciosidad y el egocentrismo del director Christopher Nolan no tiene límites y así lo ha demostrado en sus anteriores trabajos (en casi todos), construyendo ejercicios más tramposos que transcendentes a través de su contundente capacidad audiovisual. No obstante, siempre hay que ir con ciertas miras, a pesar de los registros precedentes, pues la enmienda de su última película consigue alcanzar lo sublime por momentos. Y es que Nolan apuesta por una visión completamente diferenciada de la batalla de Dunkerque, adoptando un juego visual y sonoro, en relación al tiempo y el espacio, que intenta acercarnos en primera persona a lo que allí se gestó. Y en cierta manera, Nolan consigue lograrlo, pues a pesar de su efectismo (en cierta manera necesario), la película nos contagia con entereza su feroz mirada y su amplias capacidades audiovisuales. Es una película experiencial y en ella se siente, más que se piensa, y eso es un gran cierto a la hora de plantear un giro cinematográfico sobre el tratamiento de la historia. Es una película de imperfecciones (ciertas resoluciones, ciertos personajes, ciertos diálogos), pero al mismo tiempo es una película que te traspasa por su arrogante fuerza visual y sonora. Mención especial para una factura técnica impoluta, en la que la excelencia del montaje, y un sonido magnificamente labrado en consonancia con una creativa y rompedora partitura de Hans Zimmer consigue trasladarnos al horror de la contienda del modo más legítimo y honesto posible: el de la vivencia. Una película única en su especie, y que merece ser experimentada, independientemente de que su posicionamiento y construcción conecte con la verdadera realidad de los hechos."
NOTA: 7,5(****)
El hilo invisible:
"El conocido talento de Paul Thomas Anderson ha encontrado muchas veces caminos muy complejos, capaces de deshacer y redefinir ciertos iconos a través de la expresión de sus universos más oscuros. En esta última película, siguiendo en una línea similar, apuesta por jugar a una doble postura, que casa directamente con la discursiva que se nos quiere ofrecer. Si el revestimiento es absolutamente elegante, exquisito y contenido, el fondo es realmente oscuro y lleno de aristas. Este juego absolutamente embriagador y que maneja férreas intenciones en su amplia paleta expresiva, quiere acercarnos al valor de la creación, al valor del arte, y por supuesto al valor de quien lo ejerce: el artista, este término tan sagrado pero a la vez tan tangible. La historia de un perturbado y maniático diseñador y su particular idilio amoroso juega a desmontarnos todas las posturas que convergen en torno al valor del arte y su definición. Es una película que golpea con sutileza, y ese noble oficio se lo debemos a la deliciosa capacidad de Anderson para obtener de los mitos, absolutas ristras de aristras discursivas, y por supuesto en este caso, al extraordinario ejercicio de refinamiento por parte de un trabajo técnico glorioso, desde el bellísimo vestuario hasta la extraordinaria e ingeniosa partitura de Jonny Greenwood. Por supuesto, no podemos olvidarnos de un trío de actores magistral: Daniel Day-Lewis reafirma su absoluta capacidad maestra para componer personajes muy complejos y define su absoluto liderazgo como uno de los mejores actores del mundo; Vicky Krieps se entrega a la emoción más contenida desde un plano muy meritorio; y Lesley Manville aporta contudencia y ferocidad a un personaje de consideraciones muy interesantes. Ellos y todos los elementos citados juegan con absoluta magia en una película de fuerte calado que, a pesar de ciertas posturas difíciles de digerir en su discurso, conseguirá congelarse en el abrigo del tiempo."
NOTA: 8,5(****)
La forma del agua:
"Es admirable la capacidad mágica de Guillermo del Toro para dar forma a universos fantásticos nunca habitados y a su amplio arsenal de criaturas únicas que han poblado muchas de sus películas con más o menos atino. Llega su reconocimiento máximo con una historia que se asemeja a nivel discursivo a sus posturas más maduras, una historia que conecta una relación contextual con un universo fantástico. Postura doble que no es más que el deseo de hacer mella en la exploración humana, pasada, presente y futura. Así es, del Toro despliega todo su arsenal creativo para componer quizás su obra más completa y arriesgada. No obstante, a pesar de la belleza e ingenio de sus personajes, todos ellos adolecen de una narrativa muy forzada, que aunque juegue en el terreno de lo fantástico, abusa en exceso de los encuentros casuales y de personajes de brocha gorda. Es absolutamente excesivo el caricaturesco y estereotipo arsenal de protagonistas en una historia que avanza con dudosa credibilidad y que reposa de forma exclusiva en su tratamiento atmosférico, que no siempre es suficiente para levantar una película. Es admirable el excelente trabajo técnico de la cinta, en especial un trabajo de arte exquisito y una música formidable, pero da la sensación de que todo este empaque al final juega al servicio de un cuento más bonito que transcendente, una historia más anecdótica que duradera, una absoluta decepción que prometía convertirnos de forma definitiva al mundo "del Toro".
NOTA: 6,5(***)
La reina Victoria y Abdul:
"Estamos ya muy acostumbrados a la dosis de telefilm histórico británico, de posturas edulcoradas y acentos imperalistas. Stephen Frears lo vuelve hacer, conformando un cuento sin gracia sobre un episodio de la gran reina británica: Victoria. Esta vez se trata de la relación de amistad con su siervo Abdul, que tantas convulsiones provocó en la etapa final de su reinado. No obstante, si el material era susceptible de ser tratado con ingenio y complejidad, la película navega por todos los clichés, motivos y encuentros ya trillados, para conformar una fábula de fácil digestión y de escasa transcendencia. Mención especial merece el trabajo de vestuario, y la siempre contundencia de Judi Dench, pero por lo demás una película que poco o nada aporta desde cualquier óptica posible."
NOTA: 4,5(**)
Los archivos del Pentágono:
"Vivimos en una era de tal revolución cultural, que muchas veces ciertas posturas realmente huecas desechan todo aquello que tenga una vinculación con el concepto de lo clásico. Si esto lo trasladamos al cine, obtendremos como resultado un gran número de películas rechazas u ocultadas por pertener a un discurso y unas formas más labradas en el pasado, que en este convulso presente. En este sentido, el responsable de la gran película clásica del año se trata del conocido Steven Spielberg, que en cierta manera no ha tenido el reconocimiento que merece una película de este calibre. Pues, aunque Spielberg ha presentado una carrera un tanto irregular en los últimos años, esta película reafirma su convincente y sólida visión como uno de los directores más valientes de toda la historia del cine. La película que aborda todo el despliegue que supuso la publicación de material certificado del Pentágono, en este caso, desde la óptica y acción del The Washington Post (desencadenante del escándalo Watergate), conjuga una capacidad extraordinaria para introducirnos en el corazón de un periódico en relación directa con la realidad sociopolítica, con absoluto ingenio y evitando cualquier modelo que, o bien distraiga al espectador, o bien resulte excesivamente plúmbeo. Es una película dinámica y entretenida, pero al mismo tiempo llena de complejidades, resueltas con atino por un guion excelso que da virtud a la construcción de personajes completos y diálogos convincentes y veraces. Un trabajo de escritura meritorio que encuentra en una factura técnica solvente (excelente ejercicio de ambientación) y en unos actores recios la mejor de sus construcciones. La absoluta firmeza de Meryl Streep convierte en excelencia cada línea que exprime, cada paso que avanza y cada manejo de gafas que contempla, componiendo quizás uno de sus trabajos más solventes en años (y es mucho decir, de una de las mejores actrices del planeta). En definitiva, una película para reivindicar, que con sus fallos (prescindibles prológo y epílogo), consigue realzar el valor de ese cine que parece que se quedó muy atrás, pero que está más presente que nunca."
NOTA: 8,5(****)
